Música de Sobrevivencia

Feliz Año Nuevo

2011-12-28T19:34:00.011-03:00

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Diana Krall
The girl in the other room
Verve - 2004

Termina el 2011.
Llega la chica del otro cuarto: Diana, la cazadora solitaria.
Viene para celebrar con todos nosotros, poniéndole toda la onda a lo nuevo que viene.
Detengamos el mundo unos instantes.
No vino sola.
Llega acompañada por entrañables amigos:

Personal:

Peter Erskine - percusión en 1, 4, 7 a 12
Jeff Hamilton - percusión en 2, 5 y 6
Terri Lyne Carrinton - percusión en 3
Christian McBride - bajo en 2, 5 y 6
Neil Larsen - órgano Hammond en 3
Anthony Wilson - guitarra
Diana Krall - piano y voz

Dejamos en los "iluminados" de la lista de tracks, "Stop this world" de Mose Allison y "Temptation" del genial Tom Waits, para recibir juntos el "2012", un año que se las trae.

Tracks:

1. Stop this world
2. The girl in the other room
3. Temptation
4. Almost Blue
5. I've changed my address
6. Love me like a man
7. I'm pulling through
8. Black Crow
9. Narrow Daylight
10. Abandoned masquerade
11. I'm coming through
12. Departure bay

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Dame una, solo una canción...

2011-12-20T18:47:00.015-03:00

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PFM
Live in Japan 2002
Grabado en Vivo en el Club Citta'
Kawasaki - Japon

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Los artistas suelen ser amantes de glorias perdidas.
Conquistadores de espacios vacíos.
La luminosa musa azul no ha de sonreir a todos, porque es una gran mentirosa.
Como la lluvia, la mayoría de los artistas amantes caen a la tierra, una vez mas, engañados, cansados y cubiertos de polvo.
Hay quienes acaban en el hospital de los locos, caminando por el espacio.
Y los más fuertes, sobreviven porque renunciaron a la diosa.
Viven sin ella, con las almas muertas.
Esta es más o menos la idea esbozada por Màrio de Sá-Carneiro, en uno de sus magníficos relatos que ya no recuerdo.

Podría escribir una historia (que siempre sería pobre, suscinta), de una de las bandas más importantes del rock progresivo de todos los tiempos.
Una banda que entre los '60 y '70, produjo discos monumentales como "L'Isola di Niente", "Storia di un minuto" y "Per un amico", considerado, este último, como uno de los mejores discos de la música progresiva del universo y sus alrededores.

Franz Di Cioccio: baterista, cantante (y actor en el escenario) y Franco Mussida: el guitarrista que todos quisieran tener en su banda, son los dos pilares de este milagro musical.

Pasaron muchos años, pero estos discos extrañamente siguen siendo muy "actuales", y la explicación es muy simple:

Músicos geniales, que aún antes de ser PFM, fueron parte de todos los sucesos musicales italianos de los '60 y comienzos de los '70, cuando se llamaban "Black Devils" o "The Gryphons" o "I Quelli".

Con la incorporación de Flavio Premoli, un pianista de 17 años, y Mauro Pagani en 1969, que tocaba violín y flauta, quedaba integrado "Fornería Marconi", nombre que hacía referencia a una panadería de Chiari, Provincia de Brescia.

El nombre, con el agregado de "Premiata" que significa "Premiada", por iniciativa de Colombini, el director artístico de "Number One" (primera discográfica del grupo), fue propuesto por Pagani, quien mas tarde abandonaría la banda para dedicarse a su carrera como solista y productor.

Todo el jazz, el rock y la sinfonía clásica corrían por las arterias de esta fábrica de música maravillosa, que acompañada por bandas como "Banco del Mutuo Soccorso" y "Le Orme", fueron los grupos progresivos italianos que mas trascendencia internacional han tenido por aquéllos tiempos, aunque, a mi criterio, Premiata Forneria Marconi, estaba lejos, muy lejos, de toda posible competencia.

Su paso por "Manticore", impulsado por Greg Lake, que los conectó con Pete Sinfield, selló la entrada de PFM al mercado sajón, (ranking Billboard incluido) y su radicación en Londres por el término de 1 año.

La incorporación de Bernardo Lanzetti (voz) y las letras traducidas al inglés por Sinfield, formaron parte de un mismo proyecto, pues basta escuchar "Chocolate Kings", para encontrar aires de "Peter Gabriel" en la voz del entonces cantante de PFM.

Luego hubo alejamientos y reemplazos, vueltas y amenazas de alejamientos.
La partida de Giorgio Piazza y de Mauro Pagani, terminaron con la incorporación de Patrick Djivas (bajo) y Lucio Fabbri (violín, guitarra y teclados); todo simplificado por quien les escribe.

Personal:

Franz Di Cioccio - voz, batería y percusión
Patrick Djivas - bajo y flauta
Franco Mussida - guitarras y voz
Flavio Premoli - teclados y voz

Con:
Piero Monterisi - batería

Invitado especial:
Lucio Fabbri - violín, teclado, guitarra y voz

Invitado muy especial:
Peter Hammill - voz en "Sea of Memory"

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Imaginen el bendito estado de la música por esos años en el mundo:
Yes, King Crimson, Focus, Genesis, Mahavishnu Orchestra, Van Der Graff, Emerson, Lake & Palmer, Gentle Giant, Led Zeppellin, Deep Purple, Jethro Tull, (por mencionar algunos de los más conocidos).

Pero Leonardo Da Vinci, fue italiano. Y también Miguel Angel y Rafael y Donatello y Giotto y Masolino y Brunelleschi (por mencionar....), y la pasión mediterránea unida siempre a la formación académica de los uffici, más la música de la escuela veneciana y la academia de florencia y bueno, volvamos al disco doble grabado en vivo en Japón un 12 de mayo de 2002.

Pasó mucho tiempo y muchas modas orbitaron por la calesita del arte en general y de la música en particular. Parece mentira que tras 40 años (ahora vamos por los cincuenta) , 38 discos y giras por todo el planeta, esta formación siga brindándonos música de las estrellas y storias di un minuto no sólo a los fanáticos melómanos sino: per un amico.

El público del Club Citta', en Kawasaki, deliraba con esta "super" banda, que en vivo sueña, como un animal gigantesco al que es imposible detener una vez que empieza a "moverse".

Para los amantes de la música progresiva y la ópera, la "Obertura de Guillermo Tell" y "Sea of memory, con la magnífica participación de Peter Hammill, son imperdibles.

Y "River Of Life", "Photos Of Ghosts" y "La carozza di Hans", joyas de otro planeta.

Sonar y soñar en vivo tienen probablemente la siguiente explicación:

"Maestro Della Voce, dammi una canzone,
Dammi una tua canzone".

Dejamos en los iluminados de la lista de tracks, "Peninsula", "Impressioni di Settembre" y "Maestro della voce" y no nos pidan mas nada, porque aunque tengamos ganas de llorar, hoy no queremos cenizas.

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Tracks:

Disco 1:

1. Sea of memory
2. Bandiera Bianca
3. La carrozza di Hans
4. Rain Birth
5. River of life
6. Photos of ghosts
7. Peninsula
8. Out of the roundabout
9. La rivoluzione
10. Suonare suonare
11. Promenade the puzzle
12. Tokyo solo piano
13. Dove... quando... (part.2)
14. Dove... quando...

Disco 2:

1. Il banchetto
2. Dolcissima Maria
3. Maestro della voce
4. Si puo fare
5. Mr.9 till 5
6. Scary light
7. Tokyo electric guitar jam (incluye Altaloma 5 till 9
8. Tokyo violin jam (part.1)
9. Rossini's William Tell Overture
10. Tokyo violin jam (part.2)
11. Impressioni di settembre
12. E festa
13. La luna nuova

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Un imprescindible

2011-12-11T20:57:00.009-03:00

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Solo

Egberto Gismonti
ECM - 1978

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Sesenta discos, treinta pistas para ballet, veintinueve soundtracks y once temas para series de televisión.
Cinco tracks, cinco sentidos y cinco dedos en la mano.

Tengo el gran privilegio en la vida, de haber escuchado a Egberto Gismonti.
Y la suerte también de que el hombre sea tan bueno tanto con el piano como con la guitarra.
Es muy poco común que haya músicos que descollen con estos dos instrumentos, abrazando un nivel tan alto de sensibilidad, a la hora de desovillar su música como creadores e intérpretes.

"Solo" es un disco genial y una muestra detallada de la pericia de un músico que ha explorado en las raíces de las tradiciones mas íntimas de la música brasileña.
Grabado para el sello discográfico ECM en los estudios Talent de Oslo, en 1978, Gismonti alterna la guitarra con el piano y las campanas de cocina con la voz.

Un disco de sobrevivencia propiamente dicho que arranca con una colosal: "Selva amazónica", todo guitarra, pura música, clima, misterio, calidez y entrega total de sentimiento sin medida.

Un final impresionante: con Pau Rolon el artesano afina el trazo y despedaza.

Del sentido común, bien, gracias.
Veinte minutos para disfrutar sin pausas ni conciencia del tiempo que transcurre, pero con el sentimiento del tiempo que nos devuelve a la vida.

Personal:

Egberto Gismonti

Guitarra de 8 cuerdas en tracks: 1 - 4
Piano en tracks: 2 - 3 - 5
Cooking Bells en tracks: 1 - 5
Voces

Y después "Ano Zero"; una sutileza demencial con un "piano" al que probablemente no volvamos a escuchar, ni con el propio Gismonti.

Sigue "Frevo", el ya famoso Frevo "covereado" magistralmente por Paco de Lucía y John McLaughlin una noche en San Francisco y tantas otras noches inolvidables.

Es realmente maravilloso que existan tipos como Gismonti cuyas recreaciones podamos achacar a tipos como McLaughlin y el interminable Paco.

Y vuelve con la guitarra de 8 cuerdas para "Salvador", una canción enorme y antigua, bella y cargada de memorias de sangre y pasión.
Hasta acá todo es ensueño y demasía.

Mi niño feliz asoma y se ríe.

Pero hay mucho mas, porque "Ciranda Nordestina" es mucho mas que cualquier cosa y no exagero. Se cree que la ciranda fue creada en el nordeste brasileño por las mujeres de los pescadores, que cantaban y bailaban esperando su regreso del mar, y que Gismonti tradujo en una auténtica belleza. Una belleza inimaginable como la espera de una mujer.

Dejo en los "iluminados" de la lista de tracks "Ano Zero", sabiendo que es injusto, difícil, arbitrario y también delicioso.

Tracks:

1. Selva Amazónica - Pau Rolon
2. Ano Zero
3. Frevo
4. Salvador
5. Ciranda Nordestina

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Diciembre: Hernán Jacinto

2011-12-05T19:02:00.017-03:00

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Lua
Hernán Jacinto
Bau Records - 2009

Quien ha sesionado con Luis Alberto Spinetta, Javier Malosetti , Pedro Aznar y el Mono Fontana, no necesita mas cartas de presentación.

Pianista lunar, obscuro (diría Virgilio), altamente sensible y brillante sin estridencias produce su primer álbum grabado en enero del 2009 en Soundrec y estudio Cabrera, acompañado por músicos de lujo: Jerónimo Carmona en contrabajo, Mariano Loiácono en trompeta y flugel, Ramiro Flores en saxo soprano, clarinete y flauta traversa y Oscar Giunta en batería.

Además participan como músicos invitados: Javier Malosetti en contrabajo, Oscar Feldman en saxo tenor, Hernán Segret en cello y Alejandro Oliva en percusión.

Antes de caer la noche, hay un instante único.
Crepuscular y metafórico nos completa y reconforta solo un momento.

La música es eso, tiempo real de ejecución que vive con el músico y sus cómplices.
Historias de un minuto que desaparecen a medida que se desarrollan, homenajes de un instante, a diferencia de otras manifestaciones artísticas que perduran en el tiempo.

Logo y Mithos mordiéndose la cola en consonancia con la limitación de nuestra finitud.

(Perdón)

Volvamos al disco.

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Personal:

Jerónimo Carmona - contrabajo
Mariano Loiácono - trompeta y flugelhorn
Ramiro Flores - saxo soprano, clarinete y flauta traversa
Oscar Giunta - batería
Hernán Jacinto - piano, teclados, percusión y voz

Músicos Invitados:

Javier Malosetti - contrabajo
Oscar Feldman - saxo tenor
Hernan Segret - cello
Alejandro Oliva - percusión

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En "A-Frik", escuché un destello del Pastorius bigbandista y sutiles toques del mejor jazz + la percusión de Alejandro Oliva.

Sigue "Arenales Blues", con la participación de Javier Malosetti en contrabajo. Todo blues y walking para disfrutar con hielo.

Y "Brad" de trío, una delicia Mehldausiana de la luna y feeling (impresionante piano).
Completan el trío Carmona (sólido y cálido) y Giunta (justo, lo mejor).

A esta altura del atardecer, "Nefertiti" (de Wayne Shorter), nos habla Flores y de flores.

Caramelos de Jacinto, con cristales de luna antes de la hora de cerrar.

"Cuchillos", (una bellísima composición de Charly García), con el cello de Segret y los vientos de Flores y Loiácono endulzando el contrapunto con un piano travieso.

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Y "Lua", la marca del álbum, todo vaporoso y clima jungla al que Giunta bien adereza. Pero todavía quedan "Siete", "Gaviota", "Generador" y "Like someone in love" (de Van Heusen).

Con "Siete" volvemos al trío, delicia de todos los que amamos al trío.

"Gaviota", un punto muy alto del disco. Música para soñar. Vuelve Malosetti.

Aceleramos con "Generador" y buscamos algo de luz. Y vaya si la encontramos, llega "Like someone in love", con Oscar Feldman y nos dice que este es un muy buen disco de jazz con muy buenos músicos de jazz, y +, es un disco maravilloso de un pianista maravilloso con un sonido impecable.

Dejamos en los iluminados de la lista una joyita: "Gaviota", para esperar la mañana, y bancando.

Tracks:

1. A-Frick
2. Arenales Blues
3. Brad
4. Nefertiti
5. Cuchillos
6. Lua
7. Siete
8. Gaviota
9. Generador
10. Like someone in love

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El sonido del mundo a través de la lente

2011-11-26T20:25:00.033-03:00

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Disfarmer
Bill Frisell
Nonesuch - 2008

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Mike Disfarmer era un fotógrafo que vivió en Arkansas rodeado de farmers.
A Disfarmer no le gustaban los farmers ni la vida rural de Arkansas.
Luego que un tornado destruyera la casa de sus padres, en Heber Springs, instaló su estudio de fotografía en una calle del centro y vivió allí toda su vida, solitario, utilizando las placas de vidrio que podía conseguir.

Grabado en Avast Studio (Seattle) y Sound Emporium (Nashville) entre febrero y mayo de 2008, este disco toma como punto de partida, el loco y extrañísimo trabajo fotográfico de Mike Disfarmer (1884-1959) -nacido Mike Meyers-, hijo de una familia de inmigrantes alemanes).

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Chuck Helm, del Wexner Center of the Arts, se acercó a Bill Frisell con la idea de un proyecto musical basado en Disfarmer.
Frisell, -que no sabía nada de Disfarmer- quedó asombrado con las fotos, y bueno; el resultado es este disco maravilloso, producto de la poco frecuente combinación de sensibilidad y talento:

y de eso Frisell tiene de sobra.

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Muy bien acompañado por Greg Leisz (steel guitar y mandolina), Jenny Scheinman (violín) y Viktor Krauss (contrabajo), desgrana 26 temas (26 fotografías), manteniendo un hilo melódico conductor, que se prefigura en el primer tema; "Disfarmer Theme" y reaparece como dominante a cada rato.

Personal:

Bill Frisell - guitarras eléctrica y acústica, loops, y cajas de música
Greg Leisz - steel guitars y mandolina
Jenny Scheinman - violín
Viktor Krauss - bajo

Homenaje a un excéntrico fotógrafo autodidacta, solitario y obsesionado con la luz.
Homenaje a la música, a los que Bill Frisell nos tiene acostumbrados; por su genio y madurez de músico; dueño de un sello personal y mirada hiperabarcadora de los estilos mas diversos.

"...me quedé pensando en los muchos otros artistas anónimos que nunca tuvieron su reconocimiento en vida, como Vermeer, Van Gogh, Charles Ives, etc., etc.. ..."

"...trato de imaginar lo que pasaba por la mente de Disfarmer, ¿cómo percibía a la gente?, ¿qué pensaba?

¿qué vio?

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Nunca lo sabremos, pero cuando escribo la música, me gusta situarme en su punto de vista, su sonido mirando a través de la lente..." (Bill Frisell)

Dejamos en los "iluminados" de la lista de tracks: el tema 13: "Shutter Dream" (una delicada pluma de sueños) y "Think", con aires Piazzolianos cargados de diáfana melancolía.

No hay batería.

Se fue un enorme compañero de Frisell y la mano izquierda de Bill Evans.

Se nos fue Paul Motian, este 22 de noviembre.

No íbamos a comentar nada al respecto, pero bueno, nos pusimos tristes y deseamos que este post valga como homenaje a un grande, porque se fue un grande de verdad.

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Tracks:

1. Disfarmer Theme
2. Lonely Man
3. Lost Night
4. Farmer
5. Focus
6. Peter Miller's Discovery
7. That's Alright, Mama
8. Little Girl
9. Little Boy
10. No One Gets In
11. Lovesick Blues
12. I Can't Help It
13. Shutter Dream
14. Exposed
15. The Wizard
16. Think
17. Drink
18. Play
19. I Am Not A Farmer
20. Small Town
21. Arkansas (part 1)
22. Arkansas (part 2)
23. Arkansas (part 3)
24. Lost Again, Dark
25. Natural Light
26. Did You See Him?

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Y el lunes nadie sabe

2011-11-16T22:01:00.019-03:00

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Los viajes del dia
Rumble Fish
Blue Art - 2008

La calle es algo dificil y delicioso. La vida nos golpea a cada rato con puertas que quedaron abiertas y en algún momento perdimos de vista y tac, la herida del chichón sobreviene.

O nos aguijonea con su alma de insecto obsesivo y perseverante. No hay colchon que alcance ni encrucijada limpia al alcance de la mano y del oido. Es una panacea milagrosa que existan músicos, artesanos y vitraleros que filtren la luz tiñendola con los colores que brillan como diamantes locos.

Oxido de cobre para el rojo o verde, fluoruro de calcio para el blanco, dioxido de magnesio para el violeta, oxido de cobalto para el azul, polvo de oro, uranio, hierro, o la musica de las entrañas del alma; a los materiales con los que construimos diminutos paraisos que duran lo que un aleteo de mariposa:

Rumble Fish, sin ampulosidades, redondea y sintetiza todos estos materiales, todos estos aritificios que nos devuelven la calma. Con simpleza, honestidad estética y toda la fuerza de un alma que no se puede comprar, lanzaron en el 2008 este disco sencillamente maravilloso.

Personal:

Tuti Branchesi - bateria y percusion
Manuel Cerrudo - piano y teclados
Claudio Bolzani - guitarras y voces
Gaston Bozzano - contrabajo

Algaida es una joya de dos movimientos, uno inicial de nubes y horizontes, y una segunda embestida de cadencia fusionadora de cielos.

Dos composiciones del gran Carlos Aguirre y su solo de piano en Coda, el último track del álbum, nos enseñan que las grandes profundidades están al alcance de la vista y la mano.

El piano de Manuel Cerrudo es exquisito.
La guitarra de Claudio Bolzani es exquisita.
El contrabajo de Gastón Bozzano es exquisito.
Y la percusión de Tuti Branchesi es sencillamente exquisita.

Un disco que conmueve y exalta, porque la música explota como un vitral de luces únicas, irrepetibles. Todo para "ensancharnos", (en el sentido quijotesco de la palabra); y tres perlas: "A la deriva" (de Manuel Cerrudo), "Pedacito de río I" (de Carlos Aguirre, adaptada por Marcelo Stenta) y "Iglesia de Pilar", (del inigualable geralista Toninho Horta).

Sin olvidarnos de "Yorugua" (de Quique Sinesi) y "Villa Berna" (de Gastón Bozzano), todo alegría y pasión demoledora.

Cuando escuché por primera vez este álbum, el tema que más me impresionó fué "Noticia de los sefarditas rumanos" (de Gastón Bozzano), por su complejidad y equilibrio sinfónico.

Para los sueños, no hay temas "flojos" ni grandes "motivos", porque la materia es siempre una excusa y la clave siempre se esconde en la "manufactura". Lo mismo ocurre con este disco. Sin fisuras, desniveles ni altibajos.

Dejo en los "iluminados" de la lista de tracks, el tema 1: "Algaida" y el tema 13: "Coda", segundo solo de piano de Carlos Aguirre sobre Villa Berna (Canción de cuna para los zorros), como un abrazo que nos hace mejores.

Tracks:

1. Algaida
(Gaston Bozzano)
2. Con los primeros pájaros de la mañana
(Carlos Aguirre)
3. Los viajes
(Claudio Bolzani)
4. A la deriva
(Manuel Cerrudo)
5. Villa Berna
(Gaston Bozzano)
6. Un requiem para Miranda
(Gaston Bozzano)
7. Pedacito de rio I
(Carlos Aguirre)
8. Vida cotidiana en los departamentos del centro
(Gaston Bozzano)
9. Un gran niño
(Gaston Bozzano)
10. Yorugua
(Quique Sinesi)
11. Noticia de los sefarditas rumanos
(Gaston Bozzano)
12. Iglesia de Pilar
(Toninho Horta)
13. Coda (cancion de cuna para los zorros)

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El corazón de un acróbata

2011-11-03T20:29:00.012-03:00

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an acrobat's heart
Annette Peacock
ECM - 2000

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Como la voz de un pequeño brazo de mar perdido en una caverna...
(Emilio Moura 1902-1971)
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Siempre es difícil conciliar la bolsa con la vida, la pasión con la realidad, y la música a menudo nos distrae del inexorable paso del tiempo, sacudiéndonos el polvo.
Devoradora de la distancia que nos quema y de la que sin embargo no conocemos sus ojos, Annette Peacock viene para decirnos que todo es profundo y oscuro y luz.

Profundo, oscuro y luz, como el silencioso y sufrido corazón de un acróbata.

Acompañada de manera genial por el Cikada String Quartet, desgrana una quincena de joyas maravillosas, repletas de pasión y valentía estética.

Grabado entre enero y abril del año 2000 en los estudios Rainbow, de Oslo. créanme que no exagero cuando les digo que este álbum es una rarísima joya. Es muy poco frecuente acumular u acomodar 15 temas tan increíblemente bellos, tanto que me resultó imposible elegir uno.

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Personal:

Annette Peacock - piano y voz

Cikada String Quartet:

Henrik Hannisdal - violín
Odd Hannisdal - violín
Marek Konstantynowicz - viola
Morten Hannisdal - violoncello

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Dejo como los "iluminados" de la lista de tracks, el tema 12: "Free the memory" y el tema 13:".ever 2 b gotten", con la certeza de que no fue suficiente y que si todo el álbum hubiese sido sólo estas dos canciones, habría bastado para enamorarnos.

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Tracks:

1. Mia's Proof
2. Tho
3. weighiless
4. Over.
5. as long as now
6. u slide
7. b 4 u said
8. The heart keeps
9. ways it isn't
10. Unspoken
11. Safe
12. Free the memory
13. .ever 2 b gotten.
14. Camille
15. Lost at Last

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Jardines al sur

2011-10-25T17:37:00.009-03:00

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Astrakan café
Anouar Brahem Trío
ECM - 2000

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La verdadera explosión de Paul Klee como pintor se produjo en 1914, a propósito de un viaje breve a Tunez en compañía de sus amigos Louis Moilliet y August Macke.

Allí en Tunez aprendió a construir un cuadro a partir del color, superando el proceso puramente gráfico que había fundamentado toda su producción hasta ese momento.

Si escuchamos atentamente al gran oudista tunecino Anouar Brahem desde esta perspectiva, comprenderemos la auténtica dimensión de su arte.

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En cuanto al talento; sin duda estamos frente a un "tocado" que desarrolla su creacíón con este singular y antiguo instrumento de cuerdas iraquí, padre del "laud" europeo, que consta de seis cuerdas dobles sin trastes, con el que Brahem produce música a partir de los colores de su tierra y el mundo.

Acompañado por Barbaros Erköse en clarinete y Lassad Hosni en bendir; una especie de pandereta redoblante y la darbuka, una suerte de tambor con forma de reloj de arena o cáliz, originariamente construido con piel de cordero o pescado.

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La darbuka es el instrumento de percusión árabe por excelencia, que se fusiona con el oud y tres mil años de historia, en las manos de un músico que hipnotiza, porque es un explorador de los infinitos colores de una realidad sin límites.

Dejamos en el "iluminado" de la lista de tracks el cuarto tema: "Blue jewels", sin palabras.

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Personal:

Anouar Brahem - Oud
Barbaros Erköse - Clarinet
Lassad Hosni - Bandir - Darbouka

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Paul Klee - Southern (Tunisian) Gardens. 1919

Tracks:

1. Aube rouge a Grozny
2. Astrakan café (1)
3. The Mozdok's train
4. Blue jewels
5. Nihawend Lunga
6. Ashkabad
7. Halfaouine
8. Parfum de gitane
9. Khotan
10. Karakoum
11. Astara
12. Dar es Salam
13. Hijaz pechref
14. Astrakan café (2)

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Cosecha de luna

2011-10-10T01:02:00.016-03:00

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The New Standard
Herbie Hancock
Verve - 1996

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Grabado en los estudios Manhattan Center, NYC, allá por 1996; y mezclado en Garage Sale Studios, Los Angeles, California, en los pagos del interminable Herbie, este disco tiene por lo menos, dos colosales virtudes: reunir un elenco super estelar de músicos del nivel, digamos: un inolvidable "dream team", y composiciones de Eagles, Peter Gabriel, Lennon McCartney, Kenny "Babyface" Edmonds, Stevie Wonder, Sade, Simon & Garfunkel, Prince y Kurt Cobain, recreadas maravillosamente por la mano original y talentosa de Herbie Hancock.

Volviendo al dream team, tenemos el contrabajo de Dave Holland, la batería de Jack DeJohnette, la guitarra de John Scofield, la percusión de Don Alias y el saxo tenor y soprano de Michael Brecker. ¿Qué mejor equipo se puede pedir para refrescar un nuevo standard que abarca desde los 60' a los 90' con toda la serie de bandas y creadores que han dejado su huella indeleble en la tradición musical popular de la mejor factura?

Personal:

Herbie Hancock - piano
Michael Brecker - saxo tenor y soprano
John Scofield - guitarra acústica, guitarra eléctrica y citara eléctrica
Dave Holland - contrabajo
Jack DeJohnette - bateria y percusión eléctrica
Don Alias - percusión

Hancock es uno de esos músicos de jazz que además de ejecutar, componer, acompañar y sesionar; hace historia, en el sentido revisionista del término. Refresca y da testimonio de una música que lo precede, lo sucede y lo acompaña, como un remolino de voces imprescindibles. Y vale la pena recalcar este concepto, pues no se trata de un músico intermitente en su destello creativo, sino de una voz que se hace cargo (en body and soul) de todo su contexto.
Esta es una de las facetas que hacen de Hancock, (en la humilde opinión de quien reseña), un verdadero grande del jazz y de la mejor música de sobrevivencia.

Vale la pena destacar en este disco, la bellísima versión de Mercy Street de Peter Gabriel, seguida de Norwegian Wood, de Lennon y McCartney, que ha sido versionada tantas veces, que uno debería terminar de convencerse de que posee un enorme "glamour" en todas las épocas; trasciende todas las "modas", las "ondas", los "clichés".

Y otro punto muy alto de este "nuevo standard" es sin duda "Thieves in the temple" del inefable "Prince"; un blues del séptimo círculo.

Y la genial "All Apologies" del enfant terrible Cobain, versionada con una enorme profundidad, el piano de Hancock acompañado por la cítara eléctrica de Scofield, rescatando la esencia del original, que nos remonta al viejo y querido blues, origen de todo el grunge de Nirvana y todo el jazz de Herbie Hancock.

Dejamos en el "iluminado" de la lista de tracks, el décimo y último tema del disco "Manhattan" (Isla de Luces y Amor), el único tema escrito por Hancock, en colaboración con su hermana Jean, un cierre húmedo e íntimo, todo piano, todo pasión, todo groove y cosecha de luna.

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Tracks:

1. New York Minute (Don Henley/Danny Kortchmar/Jai Winding)
2. Mercy Street (Peter Gabriel)
3. Norwegian Wood (Lennon/McCartney)
4. When Can I See You (Kenny "Babyface" Edmonds
5. You 've Got It Bad Girl (Stevie Wonder)
6. Love Is Stronger Than Pride (Sade Adu-Anddrew Hale-Stuart Meatthewman)
7. Scarborough Fair (Paul Simon/Art Garfunkel)
8. Thieves In The Temple (Prince)
9. All Apologies (Kurt Cobain)
10. Manhattan (Herbie Hancock/Jean Hancock)

La casa del angel

2011-09-24T00:21:00.015-03:00

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Casa
Morelenbaum²/Sakamoto
Universal Music KA'+B

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Vamos a soñar:

Un 8 de diciembre de 1994 moría en Nueva York Antonio Carlos Jobim.
Ocho días apenas de un diciembre negro:

"Imagina..., imagina..., la luna se ha apagado..."

Y ocho años mas tarde, Ryuichi Sakamoto le dice a Jaques Morelenbaum que quiere visitar la casa de Tom Jobim en Río de Janeiro; aquélla increible vía láctea de los enamorados que acogió a Vinicius de Moraes, a Chico Buarque y a Aloysio de Oliveira en tiempos del big-bang de una de las mejores músicas y poesías de todos los tiempos.

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Quiere sentarse al piano de Tom Jobim y respirar su espíritu, flotar sobre aquéllas teclas mágicas del inmenso soñador/niño.

La casa se convertiría en un instrumento más, con una vista privilegiada de Río de Janeiro y el sonido de los grillos al caer la noche.

Así nació este disco.

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La grabación se reaiizó en esta casa, con el infinito talento de Jaques y Paula Morelenbaum, cello de oro y voz de ángel interminable.

El piano de Jobim fué afinado por Phil Romano y acariciado por el enorme Ryuichi Sakamoto a quien estaremos eternamente agradecidos.

Dejamos en los "iluminados" de la lista de tracks, el primer tema del disco: "As praias desertas", por lo increíblemente hermoso, casi inconcebible; y "Chanson pour Michelle", con el mismo presentimiento que tuvieron Sakamoto y Morelenbaum.

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Personal:

Paula Morelenbaum - voz
Jaques Morelenbaum - cello
Ryuichi Sakamoto - piano

Participaciones especiales:

Paulo Jobim - guitarra (tracks 2 y 15)
Ed Motta - voz (track 9)
Luiz Brasil - guitarra (tracks 3, 7 y 11)
Zeca Assumpcao - bajo (tracks 2, 3, 7 y 11)
Marcos Suzano - percusión (tracks 3, 7, 8 y 11)

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Tracks:

1. As praias desertas (Antonio Carlos Jobim)
2. Amor en paz (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes)
3. Vivo sonhando/Dreamer (Antonio Carlos Jobim/Gene Lees)
4. Inutil paisagem (Antonio Carlos Jobim/Aloysio de Oliveira)
5. Sabiá (Antonio Carlos Jobim/Chico Buarque)
6. Chanson pour Michelle (Antonio Carlos Jobim)
7. Bonita (Antonio Carlos Jobim/Ray Gilbert)
8. Fotografia (Antonio Carlos Jobim)
9. Imagina (Antonio Carlos Jobim/Chico Buarque)
10. Estrada Branca (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes)
11. O grande amor (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes)
12. Cancao em modo menor (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes)
13. Tema para Ana (Antonio Carlos Jobim)
14. Derradeira Primavera (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes)
15. Esperanca Perdida (Antonio Carlos Jobim/Vinicius de Moraes)
16. Sem voce (Antonio Carlos Jobim/Sem voce)

Efecto Mariposa

2011-08-29T23:27:00.013-03:00

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Norwegian Wood
Jonny Greenwood
Nonesuch - 2010

El año pasado, el director vietnamita de cine Tran Anh Hung, decidió llevar a la pantalla la novela de Haruki Murakami: "Tokio Blues", del año 1987. El título original de la película es "Noruwei no mori", y hace alusión a la canción de Lennon y Mc Cartney "Norwegian Wood", que es la música favorita de uno de los personajes principales: "Naoko".

Entonces encargó la música del film a Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead.

Y sobrevino lo inesperado:

Greenwood construyó una música colosal, genial, sin medida, dando rienda suelta a todo el talento que satura su cabeza. Una cabeza-barco-hogar-finito que contiene creatividad no mensurable.

Recuerdo un pasaje del monólogo teatral de Alessandro Baricco: "Novecento" (La leyenda del pianista en el Océano), en el que Danny Boodman T.D. Lemon Novecento explica a su amigo el trompetista; que el "Virginian", su barco, su casa, su mundo, tiene la finitud que le permite, por la necesaria y esencial oposición salvaje que nutre todo acto creativo, hacer nacer una música que excede toda la experiencia humana.

Como pueden ver, no hablé de la película de Tran Anh Hung, pero sí de cine y literatura.
Quizá por asociación, o para intentar acercarme a este genial músico que tiene mucho todavía para decir (tiene 40 años) con una cantidad enorme de música dentro de su cabeza y su corazón.

Los tracks 3, 7 y 12, compuestos e interpretados por Can, una banda alemana "krautrock", de los años 60/70, armonizan de manera inquietante con la banda sonora compuesta por el "interminable" Greenwood, que ha abrevado en su formación una enorme influencia, (irradiando por supuesto a Radiohead) con este eclecticismo post psicodélico que dió origen a poderosas formaciones tales como Tangerine Dream, Fausto, Amon Duul, Ash Ra Tempel, Popol Vuh, Nektar, Neu!, Kraftwerk, Stereolab, The Mars Volta, Deerhunter, Wilco, Laika, Mouse on Mars, Bowery Electric y Fujiya & Miyagi, entre otras.

Maestro de la Telecaster, no exageramos si decimos que probablemente sea actualmente el mejor y más dotado guitarrista del Reino Unido, y que nunca pierde de vista la "macro" estructura sonora con todas sus derivaciones del quehacer de un músico con mayúsculas.

El disco fue grabado, editado y masterizado en los miticos Abbey Road Studios, con la participación de la BBC Concert Orchestra (dirigida por Robert Ziegler) y un cuarteto de cuerdas: "The Emperor Quartet". formado por Martín Burgess y Clare Hayes en violín, Fiona Bonds en viola y William Schofield, cello.

Una verdadera perlita lírica que crece con las escuchas sucesivas.

Con la íntima certeza de que el primer track del álbum: "Mou Sukoshi Jibun no Koto, Kichinto Shitaino" ("Want to Organize Myself a Little More") vale todo este proyecto, lo dejamos en los iluminados de la lista de tracks, acompañado del quinto: "Toki no Senrei wo Uketeinal mono wo Yomuna" ("Don't Read What Hasn't Been Baptized by Time"), por toda la eternidad agradecidos (no sin dolor), que T.D. Lemon Novecento no se haya bajado nunca del barco.

Personal:

BBC Concert Orchestra:

Leader: Rebecca Turner
Conducida por: Robert Ziegler

Solistas:
Charles Mutter - violín
Timothy Welch - viola
Benjamin Hughes - cello

The Emperor Quartet:

Martin Burgess - violín
Clare Hayes - violín
Fiona Bonds - viola
William Schofield - cello

Tracks 3,7 y 12 escritos y realizados por CAN

Tracks:

1. Mou Sukoshi Jibun no Koto, Kichinto Shitaino
2. Sougen, Kaze, Zoukibayashi
3. Mary, Mary So Contrary
4. Mata Aini Kuru kara Ne
5. Toki no Senrei wo Uketeinal mono wo Yomuna
6. Reiko
7. Bring Me Coffee or Tea
8. Naoko ga Shinda
9. liko Dakara Damattete
10. Ate mo Naku Aruki Mawatta
11. Quartertone Bloom
12. Don't Turn the Light On, Leave Me Alone
13. Watashi wo Toru Toki wa Watashi Dake wo Totte No
14. Hageshii Genchou

Cuando las luces empiezan a apagarse...

2011-08-04T00:06:00.021-03:00

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January
Marcin Wasilewski Trío
ECM - 2007

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Cuando las luces empiezan a apagarse el cine se parece al paraíso.
Da lo mismo que estemos en febrero, en el año 2007 o en Nueva York.
Marcin Wasilewski, -no el marcador de punta del Anderlecht-, sino el pianista también polaco que tiene las manos de algodón y azúcar, grabó este disco con Slawomir Kurkiewicz y Michal Miskiewicz.

Tocan juntos desde los 15 años de edad y ya a estas alturas, lo hacen de memoria. Un trio que según el gran trompetista Tomasz Stanko es "la mas grande banda" de la historia del jazz polaco, y honestamente, creo que a pesar de lo pomposa que pueda sonar la declaración, se quedó corto o la sabiduría le jugó esa mala pasada de siempre: le hipertrofió la timidez. Y este disco es algo verdadero, mágico y maravilloso, como una sala de cine cuando se apagan las luces. Ya el arranque es muy alto, con una composición de Wasilewski "The First Touch", que nos envuelve y cobija de todas las alimañas de este mundo (parece imposible, pero es así nomás). Después viene "Vignette", de Gary Peacock, una preciosidad chiquita de tan intimista e intensa. Hasta que se apagan todas las luces y llega Enio Morricone con su Cinema Paradiso para, bueno, basta, para mi ya el disco entero está justificado y con él toda la trayectoria de Marcin Wasilewsky.

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Personal:

Marcin Wasilewski - piano
Slawomir Kurkiewicz - contrabajo
Michal Miskiewicz - batería

Sigue Diamantes y Perlas y demuestra que nuestra capacidad de asombro es infinita y hasta Cinema Paradiso puede ser digamos, "emparejado". Un cover de la conocida balada de Prince magistralmente "jazzeada", tan despojada que nos hace acordar a Keith Jarret cuando "desmenuza" alguno que otro standard por ahí.

Sigue "Balladyne", una composición de Stanko, que alguna vez escuchamos acompañado por Dave Holland y Edward Vesala, en este mismo sello, en 1975, año en que Wasilewski nació.

Y además "King Korn" de Carla Bley, y "The Cat" compuesta por Wasilewski, llena de fraseos y walkings dignos de escuchar. "January", el track que lleva el título del álbum, es otra composición de Marcin, nostálgica, con reflejos de un brillo cándido, donde el trío más se aceita, ardiendo en paz. Cierran el disco "The Young And Cinema" y "New York 2007", una improvisación libre creada en tiempo real durante la grabación de esta pequeña joya, en los estudios Avatar de New York, en febrero de 2007.

Dejo en el "iluminado" de la lista de tracks "Vignette", para escuchar sin apuro y si es posible, después de apagar la luz...

Tracks:

1.The first touch (Marcin Wasilewski)
2. Vignette (Gary Peacock)
3. Cinema Paradiso (Enio Morricone/Andrés Morricone)
4. Diamonds and Pearls (Prince Rogers Nelson)
5. Balladyna (Tomasz Stanko)
6. King Korn (Carla Bley)
7. The Cat (Marcin Wasilewski)
8. January (Marcin Wasilewski)
9. The young and cinema (Marcin Wasilewski)
10. New York 2007 (Wasilewski / Kurkiewicz / Miskiewicz)

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Las marcas en la memoria

2011-07-30T00:40:00.010-03:00

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What's it all about
Pat Metheny
Nonesuch - 2011

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Uno puede preguntarse de que trata todo esto. Sobre un gigante de la guitarra que inició su carrera muy joven, adolesciendo la manera de tocar y rodeado de música, repleto de sonidos "populares", hits y éxitos de ventas de una industria discográfica floreciente.
Un guitarrista que alguna vez dijo: "si yo volviera a nacer, elegiría otro instrumento, no tan árido, no tan complicado, porque la guitarra es el instrumento más difícil de tocar".
Y todos los que seguimos la carrera de Pat Metheny, comprendimos que no solamente es un intérprete fuera de la serie, sino que tiene un oído privilegiado, para entender la música, para leer el significado de toda su evolución, atravesando estilos, modas y clichés.
Pero hoy más que nunca, y esta placa resulta todo un testimonio, parece haberse decidido por un retorno a lo esencial, a la máxima sofisticación que sintetiza lo más elemental y simple, como producto de una capacidad técnica desmesurada al servicio de material altamente sensible.
Y no sorprende que los 10 temas de este disco sean obras de otros autores, que han "marcado" de una manera especial al músico, que hoy nos propone un juego de la memoria y de la relectura, o de la reinterpretación y lo diverso.
Si llama la atención, el diferente tratamiento que recibe cada composición, con mayor o menor apego a las versiones originales.
Y esto enriquece la escucha, invitando a la interacción y la curiosidad.
Diversión y privilegio de disfrutar de un músico genial en plena madurez de su carrera.
Dejamos en el "iluminado" de la lista de tracks: "That's the way i've always heard it should be" de Carly Simon y Jacob Brackman, que es como la construcción de una catedral.

Personal:

Pat Metheny - Guitarra Baritono

Excepto:

Track 1: guitarra de 42 cuerdas (picasso) de metal
Track 4: guitarra de 6 cuerdas de metal
Track 10: guitarra de 6 cuerdas de nylon

Tracks:

1. The sound of silence (Paul Simon)
2. Cherish (TerryKirkman)
3. Alfie (Burt Bacharach / Hal David)
4. Pipeline (Bob Spickard / Brian Carman)
5. Garota de Ipanema (Antonio Jobim / Vinicius de Moraes)
6. Rainy Days and Mondays (Roger Nichols / Paul Williams)
7. That's the way i've always heard it should be
(Carly Simon / Jacob Brackman)
8. Slow hot wind (Henry Mancini / Norman Gimbel)
9. Betcha by Golly, wow (Thomas Bell / Linda Creed)
10. And I Love Her (Lennon / McCartney)

Sin espacio para la sorpresa, solo confía en tu corazón.

2011-07-22T01:46:00.010-03:00

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Augmented Reality
Roy Assaf - Ronen Itzik - Jorge Roeder
Daywood Drive Records - 2011

Grabado en los Estudios Bennet de Englewodd, New Jersey, para percibir con el órgano encargado del aumento de la realidad.
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Piano, batería y contrabajo en manos de artesanos con oficio de lluvia, uno de los mas antiguos y esperanzadores.

El arranque con un temazo compuesto por Roy Assaf : "Tabacon", me lleva de manera inevitable al recuerdo de Esbjorn Svensson, por el susurro del piano, por el trío perfecto y la sensible prolijidad, subrayando sensible.
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Un lugar para Ariel Ramírez, con "Alfonsina y El Mar", y el arreglo que rodea la liviana esencia de lo mas íntimo y desprotegido.

Composiciones de Itzik: "Stone and Sun", "Dry Tear" y "Un-" en las que la fuerte presencia de lo rítmico no desentona con el clima de un álbum balanceado, medido, pulido y brillante.
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Una joyita de Benny Carter intercalado en la pista 7: "Only trust your heart", con un sólo memorable de Jorge Roeder: aireado hasta el cielo.

Y casi al final del disco, al que podríamos comparar con un espejo, una perlita de Richie Beirach: "Leaving", que nos deja un regusto sublime, cortito, azulado.

Dejamos en el "iluminado" de la lista de tracks, el comienzo de toda esta historia: "Tabacon", por esa manía de volver a los viejos sitios, a esas calles viejas con olor a corazones.

Personal:

Roy Assaf - piano
Ronen Itzik - batería
Jorge Roeder - contrabajo

Tracks:

1. Tabacon
2. Alfonsina y El Mar
3. Sphere
4. Morning of Sorrow
5. Sepharadic
6. Stone and Sun
7. Only Trust Your Heart
8. Ohel Israel
9. Dry Tear
10. Un-
11. Leaving
12. Budva

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Hablemos un poco de diamantes

2011-07-09T20:32:00.011-03:00

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Galactic Diamonds
Steve Hudson Chamber Ensemble
Groovaholic Music - 2010

"Y una vez más el jazz ha demostrado que hoy, es el género
que mejor funciona como marco o reserva de la mejor
música y de sus intérpretes mas lúcidos, aunque sus creaciones
excedan los límites del género"
Ohscar

Recién llegado de Manhattan y tarareando todavía "What might have been" del increíble Mike Stern, cuya presentación en Iridium junto a Esperanza Spalding, Bob Malach y Lionel Cordew sigo disfrutando, encontré en Academy Records & CDS, esta joyita del Steve Hudson Chamber Ensemble que podria resumirse así: una encantadora colección de diamantes musicales.

Porque como dijo un día Ohscar, uno encuentra tantos talentosos creadores cobijados bajo las techumbres del jazz, que indefectiblemente termina confirmando la importancia actual del género.

Así como "Gentle Giant" diversificó con otros colores -muchas veces provenientes de la música clásica y el folklore- el rock sinfónico que explotaba en los setenta, Steve Hudson, un magnifico pianista oriundo de la gran manzana, entra por la puerta grande del jazz, con collares de música de cámara, funky, underground neoyorquino, tango, blues, melodías parisinas y música de todos los colores armonizada con arreglos superiores y el talento siempre de la mano del buen gusto.

Inicia el disco con una apuesta fuerte al tango, con resultados inquietantes. Sigue el cuasi-minimalista y cálido "Keep it simple" para terminar almorzando en la campiña con "Speak out".
Toda una declaración de principios resulta "Song for John Lennon" (siete minutos con 16 segundos de otro mundo), seguidos de 7 tracks de lujo a los que vale la pena dedicarle varias escuchas.

Y la recomendación no es un formulismo, porque la composición del cuarteto completado por Zach Brock (violín), Jody Redhage (cello y voz) y Martín Urbach (batería, cajón, percusión) determina y produce una colección de texturas muy ricas que deparan sorpresa relacionando un genial desarrollo sinfónico con una compleja trama narrativa.

Cierra el disco "Mingus Monk", un blues fresco y demoledor.

Ficciones de diamantes galácticos, puro Manhattan, groove al taco en manos de músicos de las nubes.

Dejamos en el "iluminado" de la lista de tracks: "Wanderin"' un melancólico pasaje de postales de todos nuestros viajes.

Personal:

Steve Hudson - piano, melódica
Zach Brock - violín
Jody Redhage - cello, voz
Martin Urbach - batería, cajón, percusión

Tracks:

1. Tune with tango
2. Keep it simple
3. Speak out
4. Song for John Lennon
5. PG
6. Galactic Diamonds
7. Para
8. Moving on
9. Funky Hobbit
10. Wanderin'
11. Mingus moon

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Detalles menores

2011-05-30T23:52:00.009-03:00

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Minor Details
Jan Akkerman
Digimode - 2011

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"el tiempo es una planta extraña en la que florecemos"

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Vamos a escuchar a uno de los guitarristas más grandes de la historia.
Lo maravilloso de este disco es que toda la música para órgano de las grandes catedrales que Focus "resignificaba" allá por los setenta, es como si Akkerman la hubiese metido dentro de una armónica de las que se pueden guardar en el bolsillo y parece simple, de la calle que como nosotros llega y se va, sin solemnidades aparentes.
Y todo el jazz y todo el blues y todo el rock y todas las baladas parecen no tener secretos para él.

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Personalmente tuve la suerte de verlo tocar en vivo, y lo que hace con una guitarra es algo verdaderamente increible. Experiencia ritual, comunión perfecta entre instrumento y músico que habla a través suyo. Tan importante lo no dicho como lo que deja ver: historias de la madera y la cuerda pasadas por una bobina que enloquece los sentidos, con un toque de hielo en la espalda y también fuego.

Para volver a brillar como lo que siempre fue, eligió unos compañeros que arman un equipo compacto, fuerte, que juega de memoria y sobre el filo:

Personal:

Jan Akkerman -guitarras
Coen Molenaar - teclados
Wilbrand Meischke - bajo
Marijn van den Berg - batería
Eric Vloeimans - trompeta

Y este regreso no podría haber sido más auspicioso y bestial.
Pura música. Magia de "after hour" con músicos que redondean algo así como un "jazz sinfónico" de otro planeta.
La participación de Eric Vloeimans en "Joy" y "The arrogant frogs" es descomunal y uno celebra tamaña reunión de colosos.

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Destacan "Big Sir" y "Dinner Time", dos blues de pista completa.

"San Frisky" o el arte del contrapicado, tan difícil con escalas descendentes.

Con un "Minor Details", que da título al disco, donde Akkerman nos explica porqué fue elegido el mejor guitarrista del mundo en 1972, por las revistas internacionales más importantes.

Cierra el disco "Mena Muria", una composición con mucho olor a "Focus" y al que sin duda Akkerman convierte en su mejor homenaje.

Dejamos en el "iluminado" de la lista de tracks: "The arrogant frogs", con un Vloeimans en todo su esplendor "milesiano".

Tracks:

1. Free Wheeling
2. Big Sir
3. Dinner Time
4. Love Train
5. Blind Baby
6. Minor Details
7. Joy
8. Fernando's Minibar
9. Kharmah Chantalah
10. Searching for Angela
11. As long as you're near
12. San Frisky
13. The arrogant frogs
14. Mena Muria

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Ojos y horizontes

2011-05-20T23:49:00.017-03:00

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Currents
Wolfert Brederode Quartet
ECM - 2007

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El año pasado, tuve la buena idea de ir a escuchar a Yuri Honing en Notorious.
Se presentaba con un trío de contrabajo, batería y piano. El saxofonista holandés, que alternó saxo tenor y soprano en medio de un repertorio muy bien seleccionado, nos deleitaba con interpretaciones intimistas y cómplices con un público que, en buena medida, lo escuchaba por primera vez.
Acompañado de un modo soberbio por músicos de primerísima línea, sorprendió con su técnica y madurez poco comunes y me atrevería a decir "inesperadas", por quienes ya lo conocíamos.

Pero lo que más llamó mi atención fue el pianista: Wolfert Brederode.
De notoria e impecable formación clásica, redondeaba (mejor sería decir: embellecía) cada sección melódica que servía de background a todas las improvisaciones de Honing.

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Durante todo el concierto, yo, que había ido a escuchar a un saxofonista consagrado, no pude quitar mi atención de aquél pianista joven, dueño de una sensibilidad fuera de lo común, edificante y encantadora.
Un pianista diferente, con algo de Mehldau (en su veta más romántica), de Hersch (por la sensibilidad al peso de la tecla) y de Mays (por la concepción inmensa).

En 2007, ECM editó este disco, grabado en junio de 2006 en el Rainbow Studio de Oslo, como demostración patente de que Wolfert Brederode no sólo es un interprete talentoso, sino un compositor brillante, que parece transformar la naturaleza esencial de las cosas con el reflejo de su mundo interior, y eso, definitivamente, se nota.

Todos los temas son de su autoría, con excepción del track 3: "As You July Me", compuesto con Susanne Abbuelh, una cantante y compositora suiza nacida en Berna, que editó "April" (ECM - 2001) y "Compass" (ECM - 2006).

Tracks:

01. Common Fields
02. Empty Room
03. As You July Me
04. High & Low
05. With Them
06. Frost Flower
07. Scarabee
08. Desiderata
09. Soil
10. Ebb
11. Barcelona

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Lo acompañan Claudio Puntin en clarinetes, Mats Eilerstein en contrabajo y Samuel Roher en batería.
Decir que cada track vele todo el disco no es exagerado, sino la evidencia de una más o menos cuidadosa escucha de esta otra alta producción del inefable Manfred Eicher, y van... .
Y la certeza de que Wolfert Brederode , como cualquier otro talento musical de primer orden, tiene algo de niño prodigio, vale como metáfora del genio creativo.
Y la sensación (nocturna), con el niño que compartimos con Wolfert, de que la naturaleza nos dió el permiso.
Porque Brederode mantiene una tensión perfecta entre una textura sedosa y un gran desarrollo técnico, enfatizados por la exquisita sensibilidad serena de un compositor e intérprete que sabe adonde va y lo que lleva.

En "Common Fields", atravesamos un campo de distintos colores, familiar y catártico; pura emoción y formidable potencia.

Con "Empty Room", llegamos al tope de la sensibilidad fina, si es que ello nos fuera posible después de Bill Evans (o gracias a él).

Hay en "As You July Me", una descomposición de la luz impecable, por lo original de los recursos.

Y todo el sol del mediodía al reparo de la sombra de un umbral en la calle, refugio y descanso, en "High & Low", clásico y moderno.

En "With Them", ellos bien podrían ser los compañeros de lucha y aventuras; el mejor recuerdo.

Y "Frost Flower" nos devuelve al limbo. Las horas se congelan y la ilusión nos sitia.
Tom Jobim campea a media altura entre nuestros ojos y el horizonte con "Scarabee", una bossa melancólica y sofisticada.

Pareciera que todo lo perdido se transforma en deseo. En "Desiderata" la miel alterna con el ron y nos ablandamos como si estuviésemos ante una película en la que una toma vacía de una calle nos lleva al borde del dolor, cerca de una pared vieja. Tema enorme y bellamente despiadado.

En "Soil", cobra protagonismo el clarinete de Claudio Puntin, contrapunteando con Samuel y algunos acordes disparados con atinada puntería por Wolfert. Elegía.

La misma línea en "Ebb", con un ambiente más saturado, más piano, más Wolfert y el mármol gastado de una escalera sin descansos. Un sólo memorable de Puntin. Tenue y dulce.

Al final: "Barcelona", con la disonancia del cierre, pero poco altiva, acolchada, como para ir apagando las luces y garabatear un sueño inolvidable.

Dejamos en el "iluminado" (ayer nomás: "escuchen") el track 2, esta perlita: "Empty Room", para soñar y descansar entre ojos y horizontes.

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Personal:

Wolfert Brederode - piano
Claudio Puntin - clarinetes
Mats Eilertsen - contrabajo
Samuel Roher - batería

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Nocturno como la orilla

2011-05-08T21:53:00.015-03:00

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Nocturne
Charlie Haden
Universal Music - 2001

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La noche puede encontrarnos "en la orilla del mundo".
Sorprendernos en cualquier lugar del mundo.
Y cuando ello ocurre, siempre estamos en la orilla.
No estoy hablando de decisiones sino de una simple fatalidad.
La noche es así y la orilla también.

El piano de Gonzalo Rubalcaba va desovillando la noche. Hora por hora. Nota por nota.
Y con la benefactora contención de Haden, el saxo tenor de Lovano y el violín de Britos Ruiz conversan sentados cerca de la orilla. No se divisa el horizonte porque está oscuro.
El amanecer todavía es una cosa muy lejana.

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Noche de ronda es "el bolero". Tenemos otra conversación maravillosa, la de Rubalcaba con Pat Metheny, cuya única participación (en este segundo track), es monumental.

¿Cuántas veces escuchamos este bolero?

Es increíble...

Si parece que Sabre Marroquín y José Mojica escribieron Nocturnal pensando en un pianista como Gonzalo Rubalcaba, todo tensión y desacelere prodigioso, manos de azúcar.

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Tracks:

01. En la orilla del mundo (Martín Rojas)
02. Noche de ronda (María Terresa Lara)
03. Nocturnal (Sabre Marroquín / José Mojica)
04. Moonlight (Charlie Haden)
05. Yo sin ti (Arturo Castro)
06. No te empeñes más (Marta Valdés)
07. Transparence (Gonzalo Rubalcaba)
08. El ciego (Armando Manzanero)
09. Nightfall (Charlie Haden)
10. Tres palabras (Osvaldo Farrés)
11. Contigo en la distancia (César Portillo de la Luz)/ En nosotros (Tania Castellanos)

Personal:

Charlie Haden - contrabajo
Gonzalo Rubalcaba - piano
Ignacio Berroa - batería, percusión
Joe Lovano - saxo tenor en 1,4,7,11
David Sanchez - saxo tenor en 6,10
Pat Metheny - guitarra acústica en 2
Federico Britos Ruiz - violín en 1,5,8

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Sobre la noche entonces cae un pesado telón de terciopelo azul. Eso es Moonlight de Charlie Haden. Con Joe Lovano describiendo cada rincón de un saxo precioso, casi azul.

La orilla del mundo, de noche, es el lugar perfecto para percibir la ausencia, y el violín es el instrumento más adecuado para ello, cuando de nostalgia, de melancolía, se trata, cuaja a la perfección con el piano de Rubalcaba, que no cesa y juguetea.
Lo de Britos Ruiz en "Yo sin tí" es antológico.

Es hora de abrir las ventanas. "No te empeñes más", repite cálido y firme David Sánchez, con su saxo tenor a la altura de las estrellas. Y Rubalcaba no lo deja solo. Le da aire fresco.

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"Transparence", compuesto por Rubalcaba, es, a no dudarlo, una cosa seria. Joe Lovano susurra maravillas y en la orilla, de noche, escuchamos el agua salada de la playa. Final de haikú.

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Y acá nos ponemos tangueros, con el épico bolero de Armando Manzanero: "El ciego".
Muerte y resurrección de todos los crepúsculos, de todos los ocasos.
Por eso llora el violín magistral de Britos Ruiz, a la luz de una luna que ya, no podremos ver.

...

Y todavía quedan Nightfall (de Haden), Tres palabras (de Farrés) y Contigo en la distancia /En nosotros (de César Portillo de la Luz y Tania Castellanos respectivamente), sobrando esta joya.
Con los condimentos especiales del inefable solo de Charlie en el primero, uno hondísimo y perfumado de David en el segundo, y más Lovano y Haden y Rubalcaba en el tercero, para empalagarse.

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Dejamos en "escuchen" (ahora el iluminado track de la lista), el track 07: "Transparence", por lo sofisticado, por lo nocturno y por Gonzalo Rubalcaba y Joe Lovano, que son dos animales de luz.

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Avenido

2011-04-30T00:08:00.016-03:00

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Avenido
Aca Seca Trío
Imaginary South Records - 2006

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Esto no es un post. Ni siquiera es una reseña. Es una historia.

1. Empieza con un pariente lejano de los halcones que atraviesa el cielo, y acaba flotando en una luz de olvido. El pájaro se llama Carcará y es una hermosa metáfora del amor de Jorge Fandermole.

2. El río Pasarero, de Carlos Negro Aguirre, podría no tener nombre. Se podría decir que es una hermosa historia, pero si sólamente fuera eso, también valdría la pena esucharla.
En ella se entremezclan una música bellísima y una poesía sublime, de la que "unos camalotes de limpio vuelo" nos dicen que todavía no pasó la lluvia, y que podemos deleitarnos un rato todavía con la laboriosa y sensible guitarra de Juan Quintero, con el piano brillante de Andrés Beeuwsaert y todo el talento de Mariano Cantero.
Como jugando, como un sueño, aparece la voz y el bajo inconfundible de Pedro Aznar.

Inconfundible.

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3. Y Juan Quintero nos habla del inconformista y despistado nene de teta.
Mientras tanto.

4. Una mariposa azul en el corazón de Ramón Ayala tiene todo el olor de maderas y arreglos corales imperdibles.

Imperdibles.

5. Nos reunimos con Hugo Fattoruso y Hurry, todo ritmo y groove y selvas.
Para atravesar.

6. Una vidala sin voz que no tiene quien la escuche, lleva el dolor de todo lo postergado. Es una historia antigua y muy particular. Como el dolor.
Dice. Juan Quintero.

7. Clavelito Blanco, de Justiniano Torres Aparicio, un médico nacido en Humahuaca. Carnavalito de colores muy vivos, con (atención) una deliciosa introducción bien barroca, casi Bach.

8. El equipaje de afuera contrapuntea con el equipaje de adentro. poema y sencillo (genial) piano de Beeuwsaert, como las cosas hermosas (y simples), y la voz (particularmente humana), de Quintero.

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9. Una miniatura exquisita de Andrés Beeuwsaert, el sonido del agua, la luna, una certeza.

10. Jorge Fandermole. El alma del diablo, la satisfacción espiritual del ritmo y una posible explicación musical del diablo con sus "apretaditas".
El mundo es un hermoso lugar para nacer...

11. Una risa que se desparrama, en noches cerradas, de Diego Kravett y Hugo Fattoruso, ambientada sin fin con la serenidad desparramada por estos tres músicos excepcionales.

12. Y el carnaval trajina risa y llanto. Siempre solo. El carnaval. Llega con las voces del festejo y termina con esas voces perdiéndose al compás de la caja chayera. De Menuel Castilla y el Cuchi Leguizamón.

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13. Un preludio de Andrés Beeuwsaert sube y baja con la compañía de Mariano Cantero, siempre cerca.

14. La chacarera doble suena con La música y la palabra de Carlos Aguirre. Llega y se va con la suavidad de un buen sueño. Terciopelo.

15. Ultimas palabras de aliento, Quijote desesperanzado con la llamita que todavía brilla, como brilla este maravilloso trío, que recomendamos escuchar. Cuanto antes.
Dejamos en "escuchen" (ahora el iluminado de la lista de tracks), el segundo tema del álbum: "Pasarero", no porque sea el mejor, sino porque toca y canta Pedro, que en palabras del propio Andrés Beeuwsaert, "es uno de los músicos más increibles del planeta" (sic).

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Personal:

Juan Quintero - voz, guitarra
Andrés Beeuwsaert - piano acústico, teclados, voz
Mariano Cantero - batería, percusión,, voz

Artistas Invitados:

Pedro Aznar
Juan Pablo Di Leone

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Tracks:
01. Carcará
02. Pasarero
03. Maricón
04. Panambí jovhé
05. Hurry
06. Vidala sin voz
07. Clavelito blanco
08. Equipaje
09. La niña
10. Huayno del diablo
11. Monte maíz
12. El avenido
13. Preludio
14. La música y la palabra
15. Ultimas palabras de aliento

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Azules y Flores: Danilo por dos.

2011-04-20T23:12:00.022-03:00

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Piano Works X
A Tribute to Fabrizio De André
Danilo Rea at Schloss Elmau
ACT Company - 2010

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Escuchar un Steinway Grand Piano es una experiencia única, que puesta en palabras pobres sería algo así como oir la voz de Dios (pensemos en Elis Regina y/o Milton Nascimento) dentro de un viejo tronco de arce azucarero ahuecado por la mano empecinada del más noble artesano.

Uno termina de escuchar una canción cualquiera y no puede creer que haya acabado.

No hay registro de desarrollo, de la extensión física de la obra en sí, pero es maravilloso igual, como la vida misma. Incrustada en la madera, la vida astillada, desnuda, a la intemperie de un sonido impensado, disfrutable e irrepetible.

Pero si al piano está sentado Danilo Rea, entonces la cuestión se enriquece; hay que parar la oreja, porque estamos frente a uno de los músicos más importantes de Italia, alguien que como Fabrizio De André, ha logrado amalgamar la música clásica con la balada de amor y el blues sincopado que como un río incontenible acaba desahogando en el free jazz.

Y justamente el tributo de un grande a otro es este disco increíble por donde se lo escuche.

Si lo escuchamos al revés no vamos a poder salir del "Valzer per un amore" (track 11) y está bien, porque es perfecto y bien puesto al final.

De Fabrizio De André ("Faber" para los amigos), podemos decir que hasta su prematura muerte en 1999 fue uno de los más importantes cantautores de Italia, compositor de historias de marginados, rebeldes, reyes, locos y niños, amigo de Mauro Pagani, el fundador de Premiata Fornería Marconi, banda importantísima dentro del rock sinfónico mundial de todos los tiempos.

No hay fisuras, no hay tregua, música en estado puro y sólido placer en cuyos silencios tomamos un poquito de aire para seguir disfrutando, de la mano de un pianista genial y activo en el jazz y en la música pop italiana, compositor y acompañante de cantautores como Claudio Baglioni, Doménico Modugno, Gianni Morandi, Pino Daniele, Mina y Nicoletta Della Corte.

Todas las composiciones pertenecen a "Faber", con excepción de los tracks 2: "Oana/Caro Amore" y 9: "Highlands" (compuestos por Danilo Rea).
Este último, sin duda constituye uno de los puntos más álgidos del disco.

Dejamos en "escuchen": "La stagione del tuo amore", una maravilla, un botón de muestra para un disco inabarcable.

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Tracks:

01. Bocca di rosa
02. Oana/Caro amore
03. Il pescatore
04. Ave María
05. La ballata dell amore cieco
06. La stagione del tuo amore
07. Girotondo
08. La canzone di Marinella
09. Highlands
10. Carlo Martello
11. Valzer per un amore

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Postdata:

Su doble piano con Rita Marcotulli, para la revisión de "Metrópolis" de Fritz Lang, en el Festival de Musicadonna Jazz de Catania, es inolvidable (búsquenlo en youtube y no se lo pierdan).

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Blue
Doctor 3
Via Veneto Jazz - 2007

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Jazz, trío de jazz, contrabajo, batería y piano. Un clásico de todo tiempo. Soundtracks y standards entremezclados con maestría y levedad justas.
Planean por ahí Bacharach, My Funny Valentine, James Taylor, Luigi Tenco y John Williams.
El repertorio no parece nada modesto pero termina envolviéndonos con un velo de familiaridad, de experiencia musical vinculada a imágenes e historias compartidas.

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Enzo Pietropaoli y Fabrizio Sferra constituyen una sección rítmica lujosa y aceitada que devuelven a Danilo Rea toda la calidad y calidez que el necesita para versionar de manera inteligente todo el repertorio: "Fire and rain" de James Taylor merece una mención especial al igual que "Don't let me be lonely tonight"; dos joyas.

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"Un giorno dopo l'altro" de Luigi Tenco viene a comprobar que además de ser impresionantes músicos, tambien son buenos hijos, entornando los ojos con respeto ante una historia musical de vertientes diversas.

Y Pietropaoli banca a Rea con una precisión increíble.

Y Sferra nos muestra todos los colores de los platillos.

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Y Danilo Rea canturrea la melodía de "The Blower's Daughter" de una manera que nos recuerda a Jarret, muy melancólico y cálido y nos dan realmente ganas de que el tema no termine nunca.

Y todo el tiempo es jazz y todo el tiempo es contrabajo y todo el tiempo es batería y todo el tiempo es piano y todo el tiempo es un clásico de todo el tiempo que se ralenta bien y así calefacciona nuestras ajadas almas.

Dejamos en "escuchen" el tema de "La lista de Schindler" (track 9) compuesto por el genial John Williams y jugado magistalmente por tres músicos que son un verdadero homenaje a la música.

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Tracks:

01. Close to You (Bacharach) (3:52)
02. Cannonball (Rice) (3:45)
03. My Funny Valentine (Rodgers, Hart) (3:16)
04. Fire and Rain (Taylor) (5:00)
05. Un giorno dopo l'altro (Tenco) (5:44)
06. The Blower's Daughter (Rice) (4:35)
07. Theme from "To Kill a Mockingbird" (Bernstein) (6:37)
08. Don't Let Me Be Lonely Tonight (Taylor) (5:22)
09. Theme from "Schindler's List" (Williams) (6:45)
10. Generale (De Gregori) (3:18)
11. Emozioni (Mogol, Battisti) (5:50)

Personal:

Danilo Rea - piano
Enzo Pietropaoli - contrabajo
Fabrizio Sferra - batería

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Luciérnaga

2011-04-14T17:49:00.020-03:00

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This is me
Emily Remler
Justice Records - 1990

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Si mi discoteca ardiera esta noche, entre las pérdidas que lamentaría en lo más personal, en mi cascarita más íntima, estarían los discos de Emily Remler; neoyorquina de mi generación y preciosa perla encontrada en mi pertinaz búsqueda de todo un camino.

Que no haya tenido difusión importante quizá encuentre toda su explicación en una vida breve o vaya a saber que, rumiaba yo mientras elegía uno de sus siete discos para presenarla en Música de Sobrevivencia.

Y me decidi por "This Is Me" por dos razones:

1) porque este fue su último disco.

2) porque su título preanuncia un retrato, una autobiografía.

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Guitarrista excepcional, completa, puros sentimiento y técnica, vaporosa y sensual, volaba de noche como esa maravillosa criatura nocturna en extinción (si ya no desaparecida).

Acompañada por una formación de lujo:

Romero Lubambo: guitarra acústica; Bill O'Connell y David Benoit: piano; Russ Freeman: teclados; Duduka Da Fonseca: batería; Luis Conte: percusión; Jimmy Johnson y Lincoln Goines: bajo; Maucha Adnet: voz; Emily nos advierte que la tapa del álbum no es caprichosa, porque recorre todos los estilos y toda la técnica está allí, al servicio, precisamente del estilo.

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En el disco están la bossa (en "Carenia"), el afro (en "Simplicidaje"), el soul - jazz - fusion ("You Know Wath I'm Saying") y el jazz, todo el jazz abierto en abanicos mágicos con su epítome en "Love Colors"; uno de esos temas que me la recuerdan cada vez que llega a mis oídos (y sonriendo).

También queda en la memoria, como aquéllos trofeos de amores (no) olvidados, esa nena que acaricia su Gibson ES-330, en la mágica fotografía de la tapa de su primer álbum: "Firefly".

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Ferviente admiradora de Bill Evans, Herb Ellis, Wes Montgomery, Miles Davis y John Coltrane, compartió escenarios con Hank Jones, Buster Williams, Marvin "Smitty" Smith, Eddie Gomez, Bob Moses, Larry Coryell, John Abercrombie y Astrud Gilberto.

Sus memorables dúos com Kim Parker también quedaron fijos en nuestra memoria y recomendamos que los busquen en "youtube", para entender de quien estamos hablando.

Su muerte demasiado temprana (a los 32 años, en 1990), nos dejó un odioso vacío acompañado por un profundo dolor, mitigados con el tiempo por siete discos que hoy, si no todos, al menos algunos de ellos, no pueden faltar en nuestra discoteca.

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Dejamos en "escuchen" el último track del disco: "Second Childhood", por si el fuego...

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Tracks:

01. Deep in tune
02. Majestic dance
03. "E" samba
04. Love Colors
05. Dark Passage
06. You know what i'm saying
07. Song for Maggie
08. Around the bend
09. Carenia
10. Simplicidaje
11. Second childhood

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El idioma de los niños

2011-04-06T19:27:00.014-03:00

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Duologues
Enrico Pieranunzi - Jim Hall
CamJazz - 2005

Alguna vez Pat Metheny dijo que era el más grande guitarrista vivo, y hablaba de Jim Hall, el que tipos como John Abercrombie, Bill Frisell y Jordi Bonell consideran su maestro.

Algo parecido pensaría también Enrico Pieranunzi, porque fue a buscarlo y juntos grabaron este disco, del que ambos se sienten orgullosos.

Y no es para menos, porque Duologues resulta una conversación digamos, enriquecedora.

El primer track: "Duologue 1" (de autoría compartida), calienta la máquina, con contrapuntos y espacios de corte académico.

Después aparece un verdadero blues: "Careful" (de Jim Hall), con toda la pimienta para la polenta.

Y bueno, "From E to C" (acá aparece la melancólica melodía de Pieranunzi) con toques de un Jim Hall lúcido y preciso para entreverarse.

"Our Valentines" (de ambos) nos sube un poquito de Chet Baker con aires de Desmond.

Es muy íntimo y chiquito, cool y friccionado, porque en la "corta distancia" los dos saben un rato largo.

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Hasta "Duologue 2" (J.Hall y E.Pieranunzi), todo parece premeditado y suavísimo. Con guiños y juego de altísimo vuelo. Pero acá la cosa se pone más movida: (leemos Bossa impresionista y nova impresionada).

En "The Point At Issue" (E.Pieranunzi) suben las vueltas y las tuercas empiezan a aflojarse. Ajustemos un poquito la adrenalina aunque el viaje sigue siendo de ensueño.

El séptimo track: "Something Tells Me" (compuesto por la mujer de Jim: Jane), es acaso una de las partes del vuelo en la que semejante tándem gana más altura.

Mientras escribo este post me reprocho no haberlo colgado en "escuchen", porque me recuerda a Bill Evans (no sé por qué).

Después llegan "Jimlogue" (J.H) y "Duologue 3" (J.H. y E.P.).
Nos fascinan y sorprenden porque hay dos "niños" que disfrutan jugando "el juego" en el que "se juegan" y se nota tanto en el primero como en el segundo.

"Jimlogue" seguramente sería el preferido de Gismonti (W.O.Larsen dixit), mientras que el "Duologue 3" podría haber sido el hijo de Jimi Hendrix y Robert Fripp (con tenencia compartida).

Pero para rematar esta "joyita" y demorar nuestra estadía en uno de los destinos más altos del disco y de la música llega "Dreamlogue" (E.Pieranunzi), cuyo título lo dice todo.

Por eso lo dejamos en "escuchen", porque lo dice todo, en el idioma de los creadores, que es el idioma de los niños.

Personal:

Jim Hall - guitarra eléctrica
Enrico Pieranunzi - piano

Tracks:

1. Duologue 1
2. Careful
3. From E. to C.
4. Our Valentines
5. Duologue 2
6. The Point At Issue
7. Something Tells Me
8. Jimlogue
9. Duologue 3
10. Dreamlogue

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Y los colores brillan...

2011-03-25T16:06:00.011-03:00

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Dal Vivo!
Giovanni Mirabassi
Sketch - 2001

Dos años antes (1999), había editado el disco "Architectures", acompañado por Daniele Mencarelli, en bajo y Louis Moutin, en batería.

Con un repertorio similar (no están "Un dimanche de Pluie", "Really Don't Match", "Lullaby", "One more blues" y "La fin de quelque chose"), se agregan: "Jean Paul Chez Les Anges", "Des Jours Meilleurs", "Memento Mores" y "El pueblo unido jamás será vencido".

La cita es en el Club de Jazz Duc des Lombards, en París, un 2 de noviembre de 2001.

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Este talentoso pianista nacido en Perugia, Italia, confeso admirador de Enrico Pieranunzi, Bill Evans, Kenny Barron, Keith Jarret, Chick Corea, Bach y Brahms, tiene una cualidad muy especial, que muy pocos músicos tienen, como Charlie Haden o John Scofield: no coloca el acento en las notas que componen una melodía (experimentando combinaciones inesperadas) sino en la textura, la materia de la que están hechas, y con ellas la melodía.

Mirabassi sabe "contar" de qué estan hechas las melodías, y allí encontramos sabores, olores, imágenes, colores; y los sabores saben a "algo" , los olores huelen, las imágenes duelen o divierten y acarician o galopan, y los colores, brillan.

Acompañado magistralmente por dos expertos: Mencarelli, en contrabajo y Lous Moutin en batería, deslumbran en "Requiem" y "Memento Mores", emocionan con "Café Francais" y nos envuelven con el mejor jazz y el mejor sonido en "28.Rue Manin" y "Place de la Mairie", que sin duda son los dos puntos álgidos del disco.

Por si todo esto fuera poco, una perla: "El pueblo unido jamás será vencido", del compositor chileno Sergio Ortega, muerto en Paris un 15 de septiembre de 2003, inmortalizado por "Quilapayun", cierra este enorme trabajo de un pianista genial.

Dejamos en "escuchen" la joya Nº2 de este registro en vivo, para disfrutar en todos los sentidos.

Giovanni Mirabassi piano // Louis Moutin batería // Daniele Mencarelli contrabajo

Tracks:

1. Jean-Paul Chez Les Anges
2. Place De La Mairie
3. 28, Rue Manin
4. Des Jours Meilleurs
5. Requiem
6. Memento Mores
7. Cafe Francais
8. El Pueblo Unido Jamas Sera Vencido

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La forma de la copa

2011-03-20T23:38:00.009-03:00

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Native of the rain
Tony Geballe
Discipline Global Mobile - 1997

Asociado a Guitar Craft desde 1985, este prodigioso guitarrista descubierto por Robert Fripp formó parte de las bandas de Trey Gunn, The Hellboys y Robert Fripp And The League Of Crafty Guitarrist.

Y este disco solista, hecho con una guitarra de 12 cuerdas, tiene un sonido que recomendamos disfrutar, por lo redondo y puro. El resto es magistral técnica en la ejecución y composiciones impregnadas de aires orientales y cascadas deslumbrantes, impresionantes tanto por su nitidez y brillo como por su personalidad conceptual a la hora de destacar todo el poderío acústico de una guitarra sola.

Lo que no es poco.

Guitarrista, compositor y diseñador de sonido radicado en New York City, trabaja como productor y compositor de sonido para teatro y diversos proyectos de grabación.

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Su carrera como experto en grabaciones, diseño de sonido, producción de sonido en cine y teatro la composición ha abarcado diversos países en todo el mundo e incluye distintos tipos de música, desde las composiciones para guitarra clásica hasta la música turca del trío Dostlar.

Dejamos en "escuchen" el track 6 del disco: "Star of the Dust", que aconsejamos escuchar acompañado con alguna copa de algo... digamos... delicioso.

Tracks:

1 Native Of The Rain
2 Evening Tower
3 Per Moana
4 Flock
5 Dancing Inside
6 Star Of The Dust
7 Pages
8 Prelude
9 Awakening
10 Prelude

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Cuando caiga la noche

2011-03-11T18:42:00.022-03:00

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The Man
Stanley Turrentine
Time Records - 2005

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El "hombre de azúcar", saxo tenor legendario, estrella asociada al "hard bop" y la fusión, nació un 5 de abril de 1934 en Pittsburgh. Una producción de más de setenta discos no deja ninguna duda de su fructífera carrera y de que su nombre quedará en la historia de la música de todos los tiempos.

Porque era dueño de un estilo único: límpio, poderoso, con un sonido barroco y denso pero enraizado en el blues. En mi personal opinión atada al delirium, diría, que más allá de su parecido físico con Oscar Peterson, si nos atenemos a la técnica y precisión impecables, podríamos tender un puente fantástico entre ellos.

Dos hitos canalizan mi admiración por este tenor sublime:

- El California Concert, acompañando a Freddie Hubbard y rodeado de maestros de la talla de Hubert Laws, Hank Crawford, Johnny Hammond y Ron Carter.

En especial el primer tema del disco 2: "Here's that rainy day", un diamante fuera de serie.

- El tributo a Oscar Peterson, en vivo en el Town Hall de Nueva York, en 1996, acompañando y homenajeando al cisne negro, con Herb Ellis, Niels-Henning Orsted Pedersen y Lewis Nash.

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Resulta paradójico; este que fué su primer dísco editado en 1960, el inicio de su viaje, con todas las virtudes y luces ya encendidas, editado bajo el sello Bainbridge, también fué el último, reeditado por Time Records, con una increíble tecnología que refresca y perfecciona el master original de unos cuarenta años atrás.

Personal:

Stanley Turrentine - saxo tenor
Sonny Clark - piano
George Duvivier - bajo
Tommy Flanagan - piano
Max Roach - batería

Tracks:

1. Let's Groove
2. Sheri
3. Stolen Sweets
4. Mild In The Mood
5. Time After Time
6. My Girl Is Just Enough Woman For Me

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De los dos picos más altos de esta cordillera imperdible ("Sheri" y "Time after time"), dejamos en "escuchen" el tema 2: "Sheri", para estar más cerca de las estrellas cuando caiga la noche.

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Merci beaucoup

2011-02-23T16:38:00.036-03:00

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Au Theatre Des Champs-Elysees
Michel Petrucciani
Dreyfus Jazz - 1995

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Lunes 14 de noviembre de 1994; estamos en París y es una fresca noche de otoño.

Durante 20 minutos aguardamos la entrada al mítico Theatre Des Champs-Elysees sobre la Avenue Montaigne, el mismo escenario en el que un 15 de noviembre Art Blakey & the Jazz Messengers cerraron nuestros ojos durante 10 minutos, allá por 1959.

Ahora, luego de 35 años, tenemos los ojos bien abiertos porque está por tocar Petrucciani y va a salir el sol y va a hacerse justicia, por un rato al menos. o una noche completa, tal vez.

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Completamente repleto de música vibra el Theatre cuando este pequeño y profundo gigante nos hipnotiza durante los 40 minutos del "medley" de sus cosas favoritas. Parece increible y lo es, con un pulso perfecto cabalgando entre golpes y caricias, todo goce.

La noche no da tregua y desfilan sobre el carrusel que este genio sensible tiene sobre la palma de la mano "Maiden Voyage", "On Green Dolphin Street", y también están allí Jarret y Bill Evans con Thelonious.

Tracks:

Disco 1: 1. Medley of my favorite things 2. Night sun in Blois 3. Radio Dial, These foolish things

Disco 2: 1. I mean you, Round about midnight 2. Even mice dance, Caravan 3. Love Letter 4. Bésame mucho

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Después llega una canción bellísima; "Night sun in Blois"; una construcción límpia y clara en cuyos recodos Petrucciani injerta exquisitos retoños bluseados hasta el tope. y era cierto lo que me susurraba en la oreja mi amigo Black T:

Hubo segundos en que la suspensión de la noche era palpable incluso para los parestésicos de nacimiento; y los ciegos veían y los sordos y los tartamudos que somos también nos columpiábamos sobre nuestro pedacito de felicidad.

Las miserias encontraban consuelo y los hambrientos hacían el amor con un incomparable pan recién salido del paraíso.

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Y "Radio Dial, These foolish things" era todo yapa, muy compleja y gustosa con un sonido nuevo, porque el carrusel no paraba de girar, encantado y cómplice. Lo que hace con este medley es, sencillamente maravilloso.

También hay lugar para otros dos: "I mean you, Round about midnight" todo Monk, todo Hawkins, todo luz y sombra y: "Even mice dance, Caravan", comunicación total con una audiencia embelesada y agradecida.

Y dos canciones increíbles: "Lover letter"; una delicadeza inspirada (y la más aplaudida del concierto) y "Bésame mucho", un sentido homenaje a Consuelito Velázquez y la despedida de un espectáculo y de un disco que valen para toda una vida.

Dejamos en "escuchen" (y la elección estuvo "demasiado" reñida), "Night sun in Blois", convencidos de que la música en general y en particular Michel Petrucciani, son precisos atravesadores del tiempo y encantadores del espacio.
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Ahora, luego de 16 años, tenemos los ojos bien abiertos porque está por tocar Petrucciani y va a salir el sol y va a hacerse justicia, por una noche al menos. o una vida completa, tal vez.

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Merci pour tous les musiques, Michel.

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Tenemos el blues

2011-02-16T17:23:00.012-03:00

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Aquí en mi corazón hay un espacio vacío,
donde tú solías estar

hace tanto, fue hace tanto tiempo,
pero todavía tengo los blues para ti

los días vienen y se van
hay sólo una cosa que yo sé

yo todavía tengo los blues para ti.

(Gary Moore, 1952-2011)
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The Sky Is Crying
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Inmenso mar de calma

2011-02-11T20:45:00.028-03:00

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Stone in the Water
Stefano Bollani Trio
ECM - 2009

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El trío integrado por Stefano Bollani (p), Jasper Bodilsen (cb) y Morten Lund (b), tiene características especiales: un pianista excepcional con un contrabajista y un baterista que además de representar hoy día la sección rítmica mas compacta del jazz danés, dan la sensación de ser el acompañamiento que Bollani precisa para dibujar en el aire todo lo que él sabe y puede dibujar.

Me gustan los discos que comienzan como "Stone in the Water".

Una bellísima canción de Caetano Veloso, genialmente interpretada por este duende travieso e indisciplinado nacido en Milán.

Temperamental y sutil, dotado de una técnica sublime y un espíritu empapado con búsquedas intensas e inesperadas.

Un pianista que amplía los registros de matices con autoridad sobrada de paño.

Porque no es que le alcance, le sobra.

Entonces resulta que todo el disco es un inmenso mar de calma -con todo lo que esta metáfora sugiere-.

En el tema 2: "Orvieto", la mesura y las austeras cadencias del inicio van creciendo hasta el borde de la tempestad, y Stefano nos deja ahí, justo al pié de una tormenta "posible", del corazón, con aires "oregonianos".

La inspirada continuidad encarna en el tema 3: "Edith", donde los pasos sigilosos del contrabajo de Bodilsen son acompañados magistralmente por unos suaves copos de algodón del piano de Bollani, que contrapuntea de manera exquisita y resume todo en una atmósfera por momentos arabesca y porque no, "milhaudiana".

Se corre una cortina de olas para amarrar en Jobim y Vinicius con "Bringas nunca mais".

El sentimiento y la paz se ahondan; estamos en las manos de Stefano y créanme: no nos defrauda ni desilusiona; nos acaricia y conversa con un extraordinario Bodilsen "a medida".

Con "Il cervello del pavone" el juego de persecuciones y anudamientos que va y viene simulando un péndulo impredecible, nos lleva a la cuestión desopilante del cerebro de un pavo real: idas y vueltas, cadencia y técnica para tirar al techo.

El tema 6: "Un sasso nello stagno" da título al disco y nos refresca..., preparándonos para lo que viene: "Improvisation 13 en la mineur" de Francis Poulenc, aires de zamba y oxígeno para éste y todos los discos del planeta.

Cierrran el disco "Asuda" y "Joker in the Village": dos impresionantes composiciones de Bollani en las que se lucen especial y respectivamente Bodilsen y Lund, y el jazz con todo el resto de la música agradecidos, enormemente agradecidos, ancora una volta.

Agradecemos de corazón a Esther Cidoncha sus fotografías y su calidez increibles.

Dejamos en "escuchen": "Dom de iludir", para acompañar con la vista de unos árboles movidos por el viento en una calle cualquiera.

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Tracks:

01. Dom de iludir (Caetano Veloso) 5.53

02. Orvieto (Jesper Bodislen) 7.57

03. Edith (Jesper Bodilsen) 7.26

04. Brigas nunca mais (Jobim & Vinicius de Moraes) 6.24

05. Il cervello del pavone (Stefano Bollani) 7.04

06. Un sasso nello stagno (Stefano Bollani) 5.49

07. Improvisation 13 en la mineur (Francis Poulenc) 6.14

08. Asuda (Stefano Bollani) 8.12

09. Joker in the Village (Stefano Bollani) 6.24

Duración total: 61.49

Viktor Krauss

2011-01-14T02:00:00.018-03:00

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far from enough
VIKTOR KRAUSS
Nonesuch - 2004

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Viktor Krauss: bajo, guitarra eléctrica y voz
Jerry Douglas: slide
Bill Frisell: guitarra eléctrica y acústica
Steve Jordan: batería
Alison Krauss: voz y viola

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Siempre es una suerte escuchar a Viktor Krauss; y si, como en este caso, aparece acompañado por Bill Frisell y Steve Jordan, bueno, la cosa se pone picante.

Esta curiosa "perlita" arranca con "For a good time".
Vuelo de mariposas de la inmensa guitarra de Frisell, tiempo relajado con sol pero suave, muy suave.

Sigue "Far from enough", que le da el título al disco y también da alegría, con la voz de Alison Krauss, backgroundeando de puro genia que es la mina que además y como si fuera poco, toca el violín (perdón, la viola).

Después cae la tarde nublada y la brisa fresca de la voz de Alison nos deposita en la puerta de la noche: "Overcast", hora de soñar...

La impecable coordinación rítmica y la aceitada dupla Krauss - Jordan no pasan desapercibidas a lo largo de todo el álbum. De Frisell, poco se puede agregar para los que lo conocemos.
Para aquéllos que no, ¡zás!, apúrense que todavía están a tiempo.
Nos despertamos con "Tended", un desayuno ligero pero muy tentador.
El quinto es uno de los mejores tracks del disco: "Philo", genuino Krauss & Frisell, un auténtico y demoledor temazo, con el condimento de unos susurros de Alison.

Luego vienen los 5' del bucólico "Big Log", en el que destacan la modulación de Alison y un solo de Frisell que bien vale la pena escuchar con mucha atención:

No hay muchos guitarristas así en el orbe.

Merecen una mención las delicatessen del slide a cargo de Jerry Douglas, que redondea lo que ya de por sí suena muy pero muy redondo.

En "Playground" comprobamos porqué Viktor es un bajista (chapeau) a la medida de Frisell y de... digamos... quién se le ponga. Juegos de agua entre los dos instrumentos y uno de los puntos más álgidos del disco.
"Playground" podría haber sido medalla de oro en el Concurso Internacional "Ambient" de París.
Siempre en este clima, pero con un touch más rockero sigue "Grit Lap":
Sólida base y "frippero" soliloquio de Frisell que te la "voglio dire".

En "Sunday afternoon man" nos regresan al ambiente algo desierto y con los decorativos cactus "cool" que tanto le gustan a Bill (y el nombre de Ry Cooder se nos viene encima como un flechazo).
El décimo track: "Side Street", me hizo recordar aquélla película del cincuenta dirigida por Anthony Mann y musicalizada por Lennie Hayton, en la que un cartero desea darle una vida mejor a su mujer embarazada. Cuatro minutos de climax imperdibles.
Pero en el once viene lo mejor: "Here to Be me", una joya por donde se la mire y lástima que dure 2' 06'' (como la vida, haciéndole honor al título).
La despedida es con "Split Window", a toda fisura, a todo Krauss, cálido y sereno, todo introspección.

Quiero destacar que la portada del álbum lleva una fotografía de Michael Wilson, que entre otras geniales y suculentas tapas es culpable también de las de los discos de Fred Hersch y Bill Frisell: "Songs We Know", de "Brad Mehldau solo piano Live in Tokio", y la de Joshua Redman: "Back East"; y aprovechamos para invitar a nuestros visitantes a su sitio:

http://www.michaelwilsonphotographer.com/

Dejamos en "Escuchen" la jewel nro.11 de este disco: Here to be me, para disfrutarla, porque nos lo merecemos.

Y el sur, por supuesto,

2011-01-09T21:01:00.008-03:00

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Iniciático
Ensamble Circular
EC Estudio El Bolsón - Patagonia 2006 - 2007
Música compuesta y producida por Ulises Labaronnie

Hace algún tiempo, paseando por la Feria Regional El Bolsón, en la Provincia de Río Negro, nos encontramos con Patricia Pilgrim, que atendía con la mejor onda del mundo un puesto de tejidos artesanales.

Ella nos mostró unos discos de una banda que desconocíamos: Ensamble Circular.

Nos los hizo escuchar y a mí particularmente me sorprendió la voz; más allá de la calidad musical de las composiciones. Y bueno, resultó que la cantante era ella y el proyecto incluia instrumentos étnicos, guitarras, teclados, sintetizadores y sonidos tomados del ambiente.

Personal:

Patricia Pilgrim: voces
Ezequiel Rosso: bajo fretless
Sebastián Heynig: saxos
Ulises Labaronnie: guitarra eléctrica, acústica, sintetizador, bajo, marimba, djembés, toms, udú, tablas, semillas, blocks de madera, metales, voces, piedras y objetos

Temas:

1. Extensión / 2. Sentidos / 3. Silenciosa / 4. Roja Luz / 5. Koros / 6. Despierta / 7. Barbaros / 8. Tlacsac / 9. Semilla / 10. Espejos / 11.12.13.14. Sintonías / 15.16.17. Iniciático.

En sus presentaciones en vivo, los temas musicales van acompañados con videos, pinturas, fotografías y danza (todo un lujo y un gran trabajo de producción). Intercambiamos mails y blogs y bueno, acá estamos, atravesando tiempo y distancia para un reconocimiento necesario de alma y fuego.

Dejamos en "Escuchen" el tema 4: "Roja Luz", para que prueben y disfruten una banda de esta tierra, nuestra tierra de sobrevivencia.

Diciembre

2010-12-19T11:26:00.010-03:00

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Round About Midnight
MILES DAVIS
Columbia (1957) Sony (2005)

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Un 27 de diciembre de 2007 comenzó esta aventura.
Arrancamos con tristeza: el "Cisne Negro" se nos había ido sin permiso ni aviso previo dejándonos un inolvidable Réquiem grabado una noche en Viena.
Una elegía para su contrabajista y amigo de toda la vida: Ray Brown.
Como los gatos, Oscar Peterson estaba mitad acá y mitad allá, ofrendándonos la inmensa profundidad de su arte.
Las lágrimas de diamante se convirtieron en lentejuelas de fantasía y atravesamos juntos tres años de muchísima música, nunca suficiente para sobrevivir.
Y éste, quizás, haya sido todo el mérito de nuestro blog.
Hoy queremos rendir nuestro homenaje, al revolucionario más imponente de la música moderna, o al menos, uno de los principales culpables de esta última idea: Miles Davis.
Incontrolable creador y genio que logró acoplar lo imposible:
Un sonido acogedor, íntimo y desgarradoramente solitario, con la ruptura de todos los arquetipos y picaportes oxidados y anacrónicos.

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Grabado en los estudios "Columbia" de Nueva York entre mediados de 1955 y principios de 1957, "Round About Midnight" fue el comienzo de una fructífera lista de grabaciones para la productora que tuvo su fin con "Kind Of Blue", uno de los discos más maravillosos de la historia del jazz.
Inventor de un sonido único, creador de una música nueva y de una nueva época, esta placa nos muestra a un Miles acompañado por cuatro "monstruos sagrados" de la música de todo el tiempo:
John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones completan un quinteto enorme y lujoso.
Y en el principio era "Round Midnight", inventada por Thelonious Monk para que alguna vez apareciera un fantasma certero como Miles para ligarla, limarla, acariciarla y darle un lustre de amante tan interminable como preciso.
Preciso, certero, genial atravesando océanos de tiempo hasta alcanzarla.
Y luego "Ah-Leu-Che" de Charlie Parker, con Paul Chambers y Philly Joe Jones al palo.
Y todo se tranquilizaba con "All of you" y el solo de Red Garland cabalgaba entre las dos enormes torres que eran Miles y Coltrane.
Y "Bye, Bye, Blackbird", todo color...
Y todo el quinteto power en "Tadd's Delight" de Dameron, con la personalidad inconfundible de John Coltrane despejando el camino para lo que vendría.
Cerraba el disco "Dear Old Stockholm" un delicioso tradicional en el cual Chambers hacía de las suyas, para que terminen Coltrane y Miles escribiendo una de las obras más descomunales de la historia de la música.
En 1979 Sony reeditó el álbum agregándole cuatro temas:
"Two Bass Hit" (1979), "Little Melonae" (1973), "Budo" (1957) y "Sweet Sue, Just You" (1956).

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Y en 2005 incorporó otro disco con 9 tracks, entre los que sobresalen:
"Round Midnight", el mismo tema grabado en julio de 1955 en Newport, pero con otra formación:
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Miles Davis: trompeta
Zoot Sims: saxo tenor
Gerry Mulligan: saxo barítono
Thelonious Monk: piano
Percy Heath: contrabajo
Connie Kay: batería

(casi nada)

"It Never Entered My Mind" y "The Theme" (dos rayos de luz).

Dejamos en "escuchen" Round Midnight (la versión del original grabada en Nueva York durante octubre de 1955) y como bonus de fin de temporada el Réquiem de Oscar Peterson, imposible de olvidar.

Un diciembre más. Otro año. Para seguir escuchando música y sobreviviendo.
Y muchos nuevos años más.
Y muchísimas gracias.

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Cine Mudo

2010-12-08T00:06:00.013-03:00

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Silent Movies
Marc Ribot
Pi - 1010

Niño mimado del underground neoyorquino, Marc Ribot es un compositor e intérprete al que difícilmente podamos encasillar, lo que merece un brindis.
Y tan distinto es, que detrás de un aparente estilo desprolijo (del que se jacta) hay un guitarrista que piensa diferente. Amalgama, por ejemplo, el sonido con imágenes y tradiciones de la música y la cultura universales. Trayectos y recorridos que se piensan a sí mismos sin excluirse ni escudarse detrás de las cátedras institucionales, del cánon o de la moda-catapulta.

Su estilo y su interpretación son toda una posición tomada frente a la máquina tragamonedas, digámoslo así, de una manera delicada y oblícua.

Contumaz acompañante de Tom Waits, y conspiscuo colaborador de Caetano Veloso, Laurie Anderson, David Sylvian, McCoy Tyner, Elvis Costello, Madeleine Peyroux y Medeski, Martin & Wood; nos deja la sensación de esos artistas que han visto y escuchado caer la noche y que saben perfectamente que todo ya fue pensado.

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Y como no podría ser de otra manera, este disco, contiene trece bandas sonoras de películas inexistentes, ya sea porque se trató de proyectos rechazados por el músico, o de films imaginarios que musicalizó en secreto, o porque quizá sean bandas sonoras de películas concretas musicalizadas por otros. ¿Importa realmente?.

Cine mudo, cine cuya metáfora final de alta pureza se apoyaba en una música que daba sentido a un universo de imágenes y que, a la vez, universalizaba el sentido, acoplada al ruido de la proyección.

Un disco extrañísimo y tibio, laxo y cuidado, con una pátina de descuidada distancia de la que emergen la nostalgia y los guiños a la música popular y el jazz, de la mejor factura y por qué no, fractura.

Los puntos más altos del disco son "Natalia en mi bemol", "Radio", "Requiem for a Revolution" y "The Kid"; cuatro composiciones entre las cuales fué muy difícil elegir qué dejábamos en "escuchen".

Dejamos en "escuchen": "The Kid" convencidos de que Marc Ribot podría haber sido uno de los más sensibles y geniales musicalizadores de películas mudas de la historia, hubiesen existido o no.

Tracks:

1. Variation 1
2. Delancey Waltz
3. Flicker
4. Empty
5. Natalia in Eb Major
6. Solaris
7. Requiem for a Revolution
8. Fat Man Blues
9. Bateau
10. Radio
11. Postcard from N.Y.

12. The Kid
13. Sous le ciel de París

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Marc Copland Solo

2010-11-28T17:17:00.019-03:00

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Time Within time
Marc Copland Solo
Hatology - 2005

El tiempo se mete dentro del tiempo. Inexorable ocurrencia de la que da cuenta Marc Copland en este increible disco solista.

"Some Other Time" de Leonard Bernstein, una canción muy amada por Bill Evans, aparece versionada cuatro veces, con detalles exquisitos que nos diferencian una de otra y no diferencian una de otra. Valedero talento el de Copland para lograr que un mismo tema diga cosas diferentes sin "lastimarlo" de ninguna forma.

Lo mismo ocurre (y funciona como prueba palmaria de lo dicho), con los standards "Huellas" o "Pisadas" de Wayne Shorter, "Django" (una versión alucinadamente imperdible) de John Lewis, "All Blues" del inefable Miles y "You can't go home again" de Don Sebesky (con un groove que yo creo que ni el propio Sebesky imaginó).
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Y no faltan las propias composiciones de Copland: "River Run", "Pirouette", "Time Was" y "Round She Goes", una verdadera joya de 8.09 minutos, sinceramente recomendable.
De Marc Copland hemos posteado algún disco, alguna vez, y no recuerdo si mencionamos algo de su carrera, de su recorrido en ese tiempo metido en otros tiempos...
Tocó con John Abercrombie, Glen Moore, Dave Liebman, Bob Mintzer, Joe Lovano, Scofield, Peacock y Towner entre otros tantísimos músicos enormes.
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Con una dedicación artesanal, de miniaturista, Copland talla múltiples improvisaciones sobre diminutas tizas sin quitar nunca el ojo del plan, del modelo, de la estructura.

Dejamos en "escuchen" "You can't go home again" de Don Sebesky, quien con nuestra nostalgia como aliado, gana por K.O. entre los doce tracks de un disco imprescindible.
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1. Some Other Time (Do mayor)
2. River's Run
3. Pirouette
4. Footprints
5. Some Other Time (Re bemol mayor)

6. Time Was
7. Round She Goes
8. Django
9. Some Other Time (Sol mayor)
10. All Blues
11. You Can't Go Home Again
12. Some Other Time (Do mayor)
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2010-11-17T17:04:00.004-03:00

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Solos

2010-11-02T00:14:00.049-03:00

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Alone Together
Lee Koniz - Brad Mehldau - Charlie Haden
Blue Note Records - 1997

Grabado en vivo un 22 de diciembre de 1996, en la Jazz Bakery de Los Angeles. Es la primera vez que tocan juntos Brad Mehldau y Lee Konitz, acompañados por un amigo en común: Charlie Haden. Es una maravilla la recreación de los seis temas standards que componen este disco, improvisando con frescura y mucha intimidad, confundiéndose con la noche que los convoca. A la increible versatilidad de Mehldau se le unen la inspiración para penetrar las grietas de Konitz y la mítica solidez de Haden, estirando las frases y acompañando con flexiones de otro planeta.
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Arranca con "Alone Together" y vemos el humo de Chet Baker en una silla plegadiza. El solo de Konitz sería impresionante si no le continuase el de Mehldau con un despatarrante walking de Haden, seguido de su solo. Todo es niebla y alcohol entre amigos. Después nos empalagamos con "The Song Is You".

Siguen "Cherokee" y "What Is This Thing Called Love?", dos himnos. Y entonces, nos encontramos con uno de los más, sino tal vez el más bello tema que el jazz haya parido, desde la cabeza y el cuerpo del genial Thelonious Monk: "Round Midnight".

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Y ¡sorpresa!, no sé si no es la mejor versión que jamás se haya hecho (que me perdone Miles). Pero bueno, nadie es perfecto, el disco termina con "You Stepped Out Of A Dream", una canción para un final salido de un sueño, en la panadería del jazz de los ángeles, una noche de invierno, para no olvidar.
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Dejo en escuchen (no podría ser otro) "Round Midnight" para desayunarnos la madugada toda entera.

Personal:

Lee Konitz: saxo alto
Brad Mehldau: piano
Charlie Haden: contrabajo

Tracks:

1. Alone Together
2. The Song Is You
3. Cherokee
4. What Is This Thing Called Love?
5. Round Midnight
6. You Stepped Out Of A Dream

Antes de... en otro lugar...

2010-10-18T22:53:00.022-03:00

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Somewhere else before
Esbjorn Svensson Trio
Superstudio Gul - 2000

Antes de la muerte temprana, Esbjorn Svensson estaba en otro lugar.
Brillando desde una música temprana.
Enriqueciendo el jazz con materiales y tradiciones diversas, sonidos de cofres y alforjas de la mano de flores electrónicas, en la mejor radiación jazzística de trío inmortal.
Si tuviera que definirlo, Svensson es una rama de titanio dentro de un milenario bosque cerrado y húmedo.
Genial intérprete descorredor de telones y descubridor de escenarios que nos acerca a Evans, a Oregon, a Nik Bartsch y a Arild Andersen.
Dos escuderos de lujo: Dan Berglund, en bajo y percusión, y Magnus Ostrom, en batería y percusión, completan una troika difícil de encasillar pero deliciosamente disfrutable.
Frutillas con pimienta negra.

Personal:

Esbjorn Svensson: piano, teclados, percusión
Dan Berglund: bajo, percusión
Magnus Ostrom: batería, percusión

Tracks:

1. Somewhere Else Before 2. Dodge The Dodo 3. From Gagarin's Point Of View 4. The Return Of Mohammed 5. The Face Of Love 6. Pavane 7. The Wraith 8. The Chapel 9. In The Face Of Day 10. Spam-Boo-Limbo.
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Para los rumores poco comunes, el disco comienza con silencio, el primer silencio de un crío, en el que Svensson nos habla de un laberinto muy tenue, amarillo y oxidado por ángeles.

El jazz se vuelve la mejor manera de huir del jazz, hacia adelante, hacia la cara de lobo dibujado en una moneda que termina erizándonos.
Sin precio.
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En el disco hay tres temas increíbles:

El tercero: "From Gagarin's Point Of View", el sexto: "Pavane" y "The Chapel", el octavo track, que justificarían sin duda por sí solos la existencia de cualquier músico.

Dejamos en escuchen el track 3: From Gagarin's Point Of View, como un homenaje a Yuri Gagarin que un 12 de abril de 1961 se convirtió en el primer hombre que viajó al espacio.

Dicen que al observar la tierra desde arriba dijo algo así como: "salvaguardemos esta belleza, no la destruyamos", algo que Esbjorn Svensson sintetizó muy bien en su piano para todos nosotros.

Bastaría decir dos palabras para que desde música de sobrevivencia rindamos un homenaje a este músico exquisito:

MUCHAS GRACIAS.

Música

2010-10-04T16:03:00.019-03:00

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Cuajada de motivos y figuras recurrentes en la vida, la seducción y la nostalgia, la tentación del silencio viene reuniendo desde el aire un ritmo como fuente del más vivo latido. De una manera que recuerda el abismo en un túnel oscuro con tus ojos en el fondo a la hora del sueño anhelado de extrañas verdades concentrándose en todo lo que se me despega durante la larguísima sombra del mediodía.
La música se me adhiere como papel de viejos bombones. A penas en la pared.
El muro del cuerpo el cierto conducto de la revolución con el final en el principio.

Cambio palabras, miro el fuego, me quemo mientras imagino otro precipicio en mi afición al silencio que tal vez sea el más fuerte de todos los ruidos.

Desde tiempos terriblemente lejanos la música es la locura de amar al amor y la misteriosa inventora del oído concebida como creación en sentido inverso.

Para desandar el laberinto escapo consiguiendo soñar al que me sueña, en una celda con dos puertas y dos perros cuidadosos en un jardín de otro espacio y otro tiempo, entre los escollos en una isla a la que vienen a dormir viejos marineros cansados de cosas reales por fuera y todos los sueños del mundo por dentro.
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Foto de Federico Vidal

Queremos tanto a Myra...

2010-09-20T17:26:00.028-03:00

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The Image Of Your Body
Myra Melford /Be Bread
Cryptogramophone - 2006

Un poema es el lugar en el que todo sucede, igual que en el amor y en el humor. Myra Melford hace posible creer en las palabras que la música se lleva a un viaje maravilloso. Abraza el cuerpo del poema e invoca, evoca, conjura. Música incandescente o como otros dirían: "retrato de un instante". A la pregunta ¿qué es para mí la música?, la respuesta parece obvia: el silencio o un disco como "The image of your body".
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Acompañada por gigantes de la talla de Stomu Takeishi en bajo y contrabajo y Cuong Vu en trompeta. combina de manera genial lo clásico con el blues tradicional más la Europa del Este y la India, brillando con furia o evaporando el piano justo en el centro de una tormenta de poesía y pintura. El tema que dejamos en escuchen: "Luck Shifts", vale todo el disco, sin olvidar "To The Roof", hasta el techo de talento. Merecen una atención muy especial tres joyas como "The image of your body" (track que le da el título al disco) , "Be Bread" (el que le da el título a la banda), y una deliciosa plegaria salida del árbol de la música: "Your face arrives in the redbud trees".
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Mientras escribo, evoco este disco. También pienso en el destino de lo que estoy diciendo. Busco un oído, antes, durante y después del comentario, a quien decirle que no existen los discos inesperados.

Tracks: 1. Equal Gracee 2. Luck Shifts 3. Fear Slips Behind 4. To The Roof 5. Yellow Are Crowds Of Flowers, ii 6. The Image Of Your Body 7. Be Bread 8. If You're Not Been Fed 9. Your Face Arrives In The Redbud Trees 10. Made It Out

Personal /Be Bread:

Myra Melford: piano, harmonium
Brandon Ross: guitarra eléctrica, banjo y voz
Cuong Vu: trompeta
Stomu Takeishi: bajo eléctrico y acústico
Elliot Humberto Kavee: batería
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De fragancias y labios y fragancias...

2010-09-13T17:38:00.013-03:00

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Osiris
Michael Moore Quintet
Ramboy - 2006
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Después de escuchar "Bering", del Michael Moore Trío, compuesto por Fred Hersch en piano y Mark Helias en contrabajo; un disco verdaderamente exquisito en el que se mezclan composiciones de este clarinetista y saxofonista digamos, magnífico, con temas salidos de la galera de Lameirinhas, Berlin, Shorter, Rowles y Jobim; me puse a escuchar "Osiris", y la verdad este quinteto es demoledor y preciso, integrado por Eric Vloeimans en trompeta, Marck van Roon en piano, Paul Berner en bajo y Owen Hart, Jr. en batería, abre la música a la frescura de un estanque florecido con lotos al mediodía.

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De Michael Moore puedo decir, sencillamente, que es un fenómeno combinador de la tensión del ataque con la dulzura de un fraseo prodigioso, tan brillante en el metal como en la madera.
Habilidosamente acompañado por Vloeimans en trompeta y una base rítmica concisa y rigurosa a cargo de van Roon, Berner y Hart Jr., terminan produciendo un deleite sensual que tiene sus picos más altos en "Osiris", "North Star", "It's a Long Road" y "Here, Right Now"; temas 1, 8, 9 y 10.
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Personal:

Eric Vloeimans - trompeta
Michael Moore - saxo alto, clarinete, clarinete bajo
Marc van Roon - piano
Paul Berner - bajo
Owen Hart Jr. - batería
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Temas:

1. Osiris
2. Playboy
3. Culture Warriors
4. Ishi - the 5 Bows incident
5. Movement Specialists
6. RUADJ
7. Tailwind to Kyele
8. North Star
9. It's a Long Road
10. Here, Right Now
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Todos los temas fueron compuestos por Moore y el soberbio diseño de tapa pertenece a Isabella Vigier.
De Vloeimans ya hemos hablado en posteos anteriores, y, sin dudas, es un caso verdaderamente serio, a tener muy en cuenta.
Les dejo en "escuchen", el primer tema de la placa, 6 minutos cero cuatro de pura música de sobrevivencia.
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Solo

2010-09-04T21:18:00.014-03:00

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Solo

Improvisations for expanded piano
Lyle Mays
Warner Bros - 2000

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Hay pianistas virtuosos, que dominan extraordinariamente la técnica de su instrumento, pianistas ríspidos, repentizados, líquidos y altisonantes. Los hay también serenos, angelicales y propensos al diálogo. Hay pianistas geniales, descontrolados y tendientes al nervio.
Suaves y vaporosos, poderosos y precisos, seguros de que podríamos continuar con una lista destinada al oscuro fracaso: Inmenso es la palabra.
Lyle Mays es un pianista inmenso. Si quisiéramos encontrar alguna forma de categorizarlo, de presentarlo, inmenso sería la palabra más adecuada.
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Y este disco, conformado por improvisaciones en piano expandido, es también inmenso.
Según las palabras del propio Mays, originalmente este disco iba a ser grabado con piano clásico, pero finalmente decidió incorporar "sintes" para que el sonido resulte una combinación, un híbrido. Aún así, el sonido principal es el piano acústico y de ahí el concepto de piano expandido.
Dejamos en escuchen "Let me count the ways", que es el track 2 del álbum, aunque elegirlo resultó una tarea muy dificultosa contra joyas como "Origami" y "Long life", tracks 7 y 10 respectivamente. Y es así nomás, respectivamente "inmenso".

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Temas:
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1. This Moment
2. Let Me Count The Ways
3. We Are All Alone
4. The Imperative
5. Procession
6. Black Ice
7. Origami
8. Lightning Field
9. Locked In Amber
10. Long Life

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Y entonces llegó Marilyn

2010-08-28T18:07:00.034-03:00

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Storyteller
Marilyn Crispell Trío
ECM - 2004

Una noche vino Marilyn. Ondulaba la cortina de la ventana y no supimos exactamente en qué momento entró pero enhorabuena. Como una botella de buen vino, siempre es bienvenida Marilyn. Llegó para contarnos las historias de una rosa salvaje, del vuelo del pájaro azul, narradora dulce y devastadora del corazón, de la soledad, de la línea armónica, de la cosmología, del limbo, del juego, del girasol y del tan lejos y tan cerca.

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Acompañada magistralmente por Mark Helias en contrabajo y Paul Motian en batería, cada historia nos acerca a una playa iluminada por el silencio de la luna amarilla para brindar otra vez.

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Dueña de una impecable formación clásica, se vuelca al jazz no como un experimento forzado y curioso, sino como un derrame de azúcar impalpable sobre la mesada de la cocina de nuestro sueño.
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Dejamos en "escuchen": Wild Rose, una historia para gastar el disco de tanto repetirla. Una historia, diría Macedonio Fernández, para gozar con lo que está fuera de precio.
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Sueños y jazmines

2010-08-08T11:14:00.021-03:00

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Jazmine

Keith Jarret / Charlie Haden

ECM - 2010

"La simplicidad es la sofisticación máxima", dijo alguna vez Leonardo da Vinci, un artista completo, complejo y absoluto.

Este pensamiento, que involucra la idea de que definir lo bello es no comprenderlo, es el que seguramente debe haber inspirado a Keith Jarret, a una altura de su vida en la que lo bello, cala toda la complejidad del mundo con una profundidad absoluta.

Jarret nos debía un disco así, como el poeta que intuye por el brillo inusitado del bosque, que alguna vez escribiría "ese poema".

Ese poema es Jazmín, una flor que encierra esta peculiar manera de existir:

El jazmín es la flor que cuanto más agoniza, más perfuma.

Y para fabricar esta maravilla, necesitaba un compañero invencible; un verdadero amigo del alma, capaz de jugársela codo a codo, de equiparar su potencia y su sensibilidad, cosa bastante difícil tratándose precisamente de Jarret.

Ese ladero imbatible existía, tenía nombre y apellido, pero hacía 31 años que no tocaban juntos; un detalle que enaltece la encrucijada y le proporciona ribetes épicos.

Estamos hablando de Charlie Haden, el bajista de nuestros sueños, de los sueños en los que necesitamos una mano salvadora, como seguro la necesitaba el cada vez más exquisito y solitario Jarret.

Juntos y convencidos de que la búsqueda de la belleza es la primera y la última de las batallas a librar en un mundo que no es verdadero, pero real; grabaron en la casa de Jarret esta joya hecha de una materia conocida: 8 standards encadenados que son un gesto cada uno, un color que nos deleita, nos detiene, hasta que el siguiente lo destrona.

Y lo que llamamos sueños, diría mi amigo Fernando, es la materia de nuestra infinita búsqueda de sentido.

Pero vayamos al grano: la intro de Jarret a "I'm gonna laugh you right out of my life", que dura 45 segundos, vale todo el disco.

Y como si esto no alcanzara, tenemos además "For all we know", de Fred Coots y Samuel W.Lewis; "Where can i go without you", de Peggy Lee y Víctor Young; "No moon at all", de Redd Evans y David S. Mann"; "One day i'll fly away", de Joe Sample y Will Jennings"; el eterno "Body and soul" de Johnny Green y Edward Heyman"; "Goodbye" de Gordon Jenkins y "Don't ever leave me", de Jerome Kern y Oscar Hammerstein; todos sueños, canciones que vivieron toda una vida esperando ser tocadas alguna vez por Keith Jarret y Charlie Haden; y crean, que lo dicho no es exagerado para nada...

Dejamos en "escuchen": "Don't ever leave me", para que esta música no nos deje nunca.

Suspendida la noche...

2010-07-28T19:36:00.024-03:00

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Tomasz Stanko Quartet
Suspended Night
ECM - 2004
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La noche suspendida cuelga encima nuestro.
Una sombra sin tiempo ni espacio de la que no podemos abstraernos.

Noche suspendida.
Algo tan liviano que ni nombre carga. Todo misterio, sensaciones, reminiscencias lejanas apenas esbozadas en el aire incoloro, sorpresa.
Una noche suspendida en total intemperie.
Ilusión en llamas sobre ruinas ocultas.
Una pequeñísima porción de miel salvaje en nuestro corazón de mezcladora.

...

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Noche suspendida porque además no hay noche, se ha suspendido la noche y de ella, sólo nos queda un dulce remordimiento. Luna rosa recortada sobre nubes nocturnas azules brumosas empecinadas.

Personal:

Tomasz Stanko, trompeta
Marcin Wasilewski, piano
Slawomir Kurkiewicz, contrabajo
Michal Miskiewicz, batería

Temas:

Variations I - X
Song for Sarah

Dejamos en "escuchen": la "Variation VII", de este descomunal trompetista polaco al que no se puede dejar de escuchar...

Cuchillos fuera

2010-07-16T21:09:00.010-03:00

Radiohead. La noche podría ser de lluvia o llanto. Hay ratones que quisieran escapar y en la desesperación deciden ir a escuchar un poco de buena música. Sin saber la sorpresa que les espera, caen a la olla. Tom Yorke y Jonny Greenwood se presentan en Le Reservoir, un club bar parisino muy especial.

Si escucharon y vieron y disfrutaron de estos dos fuera de serie, prepárense para ver a Brad Mehldau (con Larry Grenadier y Jeff Ballard) recreando esta increible "Knives Out".

Taxi

2010-06-06T23:25:00.008-03:00

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Este taxi atraviesa la noche
viaja hacia la alegría
por una calle mojada

no le pidan nada
está huyendo
y es posible

narra...

cuando lo vean pasar
llevará la banderita de ida
solamente
encendida...

y como los animales
que han aprendido
a saltar

de una telaraña
a otra...

se habrá consumido
también
toda
la
luz.

Fotografía de Albert
y todos los sueños de Albert
Dejamos en "escuchen": "Day Is Done" de y por Nick Drake.

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Day is done (Nick Drake)

Cuando el día termina
el sol se hunde en la tierra
junto con todo lo que se perdió y se ganó
cuando el día termina

Cuando el día termina
esperas haber corrido entera tu carrera
entonces descubres que te precipitaste
y tienes que volver a donde empezaste
cuando el día termina

Cuando la noche es fría
algunos se las arreglan pero otros envejecen
demostrando que la vida no está hecha de oro
cuando la noche es fría

Cuando el pájaro ha echado a volar
no tienes a nadie que te llame
no tienes ningún lugar al que llamar tu casa
cuando el pájaro ha echado a volar

Cuando acaba el partido
lanzaste la pelota a través del campo
perdiste mucho antes de lo que habías pensado
cuando acaba el partido

Cuando acaba la fiesta
pareces muy triste
¿no hiciste las cosas que pensabas?
ahora no hay tiempo para empezar de nuevo
cuando acaba la fiesta

Cuando el día termina
el sol se hunde en la tierra
junto con todo lo que se perdió y se ganó
cuando el día termina.

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Tarde por la noche

2010-05-30T19:38:00.016-03:00

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Dave Brubeck
Late Night
Live from the Blue Note
Telarc Jazz - 1994

Martes 5 de octubre de 1993. Nueva York. Blue Note. 2 de la mañana. Un puñado de gente despunta la noche recién nacida.
En el escenario Dave Brubeck, Bobby Militello, Jack Six y Randy Jones tocan de entrecasa, entre amigos. Son leyendas vivas de la música de todos los tiempos y aparecieron para brindarnos luz de luna y vino añejado en vasijas de barro.
La noche hace el resto. Paul Desmond es la ausencia más sentida, pero Militello lo suplanta dignamente y además, lo homenajea. Todos pensamos en Desmond. Brubeck también piensa en Desmond y su piano suena doloroso como nunca.
Arranca la madrugada con "These Foolish Things", impecable, sólido, cubierto con los tules de cuatro músicos incomparables.
Sigue "Here's that rainy day", y recordamos a Stanley Turrentine y tantos días lluviosos en los que fuimos felices.
Luego "Theme for June". Brubeck seguramente piensa en Desmond y capta magistralmente el estado de ánimo que a las 2.30 de la mañana hubiese hecho aplaudir a su maestro Darius Milhaud, solemne y clásico, sensible y discreto.
Sigue un Medley con 5 standards para degustar sin frenos.
Jack Six hace de goma el contrabajo, Bobby sopla el universo, Randy Jones mejora la música y todo es fiesta.
Termina el Medley y "Who will take care of me?" vuelve a recordarnos que ya debe estar por amanecer, y un solo de saxo cabe como ninguna otra cosa en el mundo. Todo se vuelve suave, tibio, difuso, los ojos se esmerilan, para esperar lo que viene...
Ahora Dave Brubeck se revuelve en su banqueta y sabe lo que va a tocar.
Una especie de himno. Una canción de cuna para hacer soñar a los inocentes. Una herida limpia. Vuelve a pensar en Desmond. Es el himno de ellos dos. No lo toca. Lo sangra. Bobby Militello también piensa en Desmond. Ocupa su lugar. Reanima el mito. Reaviva el fuego y no se guarda ninguna chispa. Es impecable. Hay que escucharlo. Vivir ese ritual. Hay un pasaje en el que el saxo queda solo y vemos las llamas. La alegría y la tristeza danzan juntas dentro de una lágrima que al final Brubeck inventa con todas las teclas. Y la gente aplaude diferente. Se nota. Y está bien.
Después la vida continúa, el concierto sigue, pero sigue triste con "So wistfully sad"; y está bien que así sea. Después de un trance tan fuerte, es como si Brubeck y Militello se lavaran el alma.
Cierra "Mean to me", despedida cordial, cool, abrazos para todos los que compartimos la noche.
Dejamos en escuchen: "So wistfully sad", sólo para que imaginen todo lo que pasó antes...

Personal:
Dave Brubeck, piano
Bobby Militello, saxo alto, tenor y flauta
Jack Six, bajo
Randy Jones, batería

Tracks: 1. These foolish things (9.42) 2. Here's that rainy day (7.30) 3. Theme for June (7.40) 4. Medley (14.22) Swing Bells The Duke Things ain't what they used to be C Jam blues Don't get around much anymore 5. Who will take care of me? (6.15) 6. Koto song (10.41) 7. So wistfully sad (5.41) 8. Mean to me (6.09)

Dedicado a Christian Rojo

2010-05-24T14:50:00.014-03:00

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Bill Evans
The Paris Concert - Edition Two
Elektra - 1984

Lunes 26 de noviembre de 1979, París, teatro ORTF en Montparnasse. Bill Evans se presenta junto a dos muy jóvenes Marc Johnson (en contrabajo) y Joe LaBarbera (en batería).

Su piano improvisa dejando un lejano sabor oriental, representativo de todo lo que él ha amado alguna vez en la música: Katchaturian y Rachmaninoff. Desde el romanticismo clásico hasta el jazz, Evans viaja sin renunciar a la estructura, pero escapándose de ella para mostrar que su mente y su corazón no están separados. Entonces es arrollador, lúcido y arrollador como si presintiese el final.

Saca a pasear a la audiencia por luminosas praderas y callejones oscuros desconocidos, nunca antes visitados, sin boletos ni reservas. Hay quienes dicen que Nardis era un mensaje que estaba enviando en cada uno de sus últimos conciertos.
Este trío estaba muy conectado con aquél de Motian y LaFaro, su más entrañable compañero, el que con su partida le provocaría una herida que nunca iba a cicatrizar.

Muchos años antes, el gran clarinetista Jimmy Giuffre había dicho de Bill Evans:

“Bill Evans es un músico mayor que Charlie Parker. Hay un área para arriba donde las categorías musicales no existen. Esta zona no es sólo el jazz o la música europea, clásica o cualquier otra cosa. Es sólo música, la buena música que no se puede clasificar. Eso es lo que Evans toca”.

Dejamos en “escuchen”, el segundo tema del álbum: "Gary's Theme", para compartir todos con nuestro entrañable amigo Christian.

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Personal:

Bill Evans: piano

Marc Johnson: contrabajo

Joe LaBarbera: batería

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Tracks:

Re: Person I Know

Gary’s Theme

Setter To Evan

34 Skidoo

Laurie

Nardis

Huesos de pájaro

2010-05-13T16:57:00.014-03:00

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Red Garland
Soul Junction
Universal - Prestige Records 1957/2007

Nunca había sentido ninguna inclinación por la música. Su padre le enseñó a tocar el clarinete a los diecisiete años a pesar de que su verdadera pasión era el boxeo.
Cada llave del instrumento obturaba un sector de sí mismo como si bloqueara los golpes del campeón mundial de peso completo.
Más tarde conocío a su maestro de saxo alto: Buster Smith. Gracias a semejante caño aprendió a tocar blues y a viajar de noche por la ruta alucinada que acabaría haciéndose su amiga.
Después llegó la guerra y con su grisáceo marco lo impulsó a estudiar el piano.
Extraño enjendro mágico que nos deja maravillados en nuestra más infantil faceta.
El piano es un juguete, una caja misteriosa y sorprendente, aún para los más insensibles. Admiró y estudió a Johnson, a Tatum, a Wilson y a Basie.
Entabló amistad con Charlie Parker, Dexter Gordon y Dizzy Gillespie.
Tocó con Charlie Parker, con Ben Webster y con John Coltrane.
Su apodo se lo debe a que en una época solía teñirse el pelo de rojo.
Coleman Hawkins lo invitó a tocar en su banda y tuvo la oportunidad de tocar con el genio de Lester Young. En junio de 1955 Miles lo invitó a formar parte de su quinteto y en él hizo de las suyas junto a Coltrane, Chambers y Elvin Jones.
Y fue durante los cuatro años que estuvo con Miles, que grabaron las piezas más representativas de todas sus carreras.
Dejamos en escuchen un largo tema que da título al álbum: “Soul Junction”, un blues insuperable.

Sueño y memoria...

2010-05-04T00:23:00.017-03:00

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The elephant sleeps but still remembers
Jack DeJohnette
Golden Beams Productions - 2006
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Un baterista del tamaño de Jack DeJohnette no necesita presentación. Basta recordar algunos compañeros de ruta en su vida repleta de talento. Thelonious Monk, John Coltrane, Bill Evans, Miles Davis, Kenny Wheeler, Charles Lloyd, Gary Peacock, Dave Holland, Joe Henderson, Keith Jarret, Michael Brecker, John Abercrombie, Pat Metheny y Chick Corea; referencias de las que sólo unos pocos pueden jactarse; aunque Jack DeJonhnette no es jactancioso, sino más bien todo lo contrario. En este disco, junto a Bill Frisell, hace gala de su genialidad como percusionista. En los tracks 7: "Storm Clouds and Mist" y 11: "After the Rain", nos sorprende con el piano (y remarco: nos sorprende), calidad y originalidad combinadas con verdadera maestría. Y bueno, en la batería, ni hablar. Hallazgos como el track 1: "The elephant..." que da título al álbum; 2: "Cat and Mouse" (percusión a mano limpia) y 3: "Entranced Androids" (donde la batería sintetizada dialoga en un ritmo febril con los loops de Frisell); hacen de este disco un verdadero monumento de memoria y sueño. Sueño de una música soberbia y memoria de profundas raíces entretejidas con la más pura esencia africana y los rituales iniciáticos de la mejor música.

Dejamos en escuchen (con una enorme dificultad para la elección) el track 4: "The Garden of Chew-Man-Chew" (una delicia increíble), al que le sigue otra joya como "Otherworldly Dervishes", donde DeJohnette prueba (una vez más) porqué es un virtuoso incorregible.